CLUB NOIR

Peep Classic Ésquilo. Oficina.

2011-11-21T03:49:00.000-08:00

"Nas cidades, as florestas". Crítica.

2011-11-17T04:35:00.000-08:00

Do site: http://antroexpostodialogos.blogspot.com/2011/11/nas-cidades-as-florestas.html?spref=fb

Por Ruy Filho
Um dia, esse dia será lembrado

DRAMAMIX
“Nas cidades, as florestas”
Dramaturgia e Direção: Roberto Alvim
Elenco: Renato Forner, Bruno Ribeiro, Ana Paula Csernik e Jaqueline Stefanski

Contar uma história parece razoável, quando falamos de teatro. Escutar um pouco sobre a vida de um outro inventado, criado a partir das necessidades do autor ou tema, e completar o recurso na tentativa de incluir na narrativa alguma mensagem ou informação que reconheçamos importante o suficiente para que ali estejamos disponíveis a absorver tudo. Ainda que se tente fugir, e não importando os caminhos ou atalhos perseguidos, a história sempre estará lá como norte de interpretação do que se assiste. É inerente ao teatro sua capacidade narrativa, mesmo aos recursos mais abstratos. Só que há maneiras e maneiras de se narrar, de contar, de apresentar uma história.

Roberto Alvim é desses que se inquieta com o dizer e consegue ir além da obviedade construindo em seus espetáculos algo maior e mais próximo ao experimentar o teatro como recurso de discurso e não de moral, meramente. Faz da palavra instrumento cênico, e não o uso trivial da narração discursiva. Recria os princípios da narrativa ao se propor ir além do contexto retórico para tornar o dizer necessidade estética.

Nas Cidades, As Florestas é, sem dúvida, seu trabalho mais belo. Construído pela estética qual vem pesquisando junto a sua companhia, nos últimos anos, onde a pouca luz existente em cena não necessariamente é utilizada para iluminar o ator, mas como composição espacial para elaborações de ambiências perceptivas, e trabalhando a voz, a partir dos estudos de Juliana Galdino, também fundadora do Noir, cuja projeção e ampliação desconsidera a métrica usual para trazer a sonoridade como interpretação simbólica mais aos subtextos do que às falas em si. Reunindo o melhor de ambas as pesquisas, estéticas e técnicas, portanto, o espetáculo apresentado alcança um nível poético capaz de ir além dos próprios recursos escolhidos. E aí ocorre, verdadeiramente, uma possível revolução na linguagem de Roberto.

Aos que acompanham o Noir e suas experimentações, basta dizer que Nas Cidades, As Florestas possui tudo que há nos trabalhos anteriores, mas gera poeticamente uma potência tão perturbadora ao espectador, que é impossível não se levar à emoção.

Por fim, ainda que valeria discursar por páginas e páginas sobre a cena, mas o que exigiria assisti-la igualmente tantas vezes mais, fica a sensação de que pudemos presenciar mais do que um espetáculo, mas aquele instante raro e quase sempre solitário, quando um artista se observa ao espelho e se descobre maduro.

Roberto Alvim dá o primeiro passo para consolidar de vez a importância de sua trajetória. Agora, especificamente, demonstrando e redimensionando seus discurso a um nível de poesia maior do que qualquer pesquisa teatral. Sim, o artista se revelou maior do que sua própria arte. E isso é um prazer assistir acontecer.

Déjà Vu Histórico (Blog Traços Urbanos)

2011-11-16T03:55:00.000-08:00

Do site: http://tracosurbanos.blogspot.com/2011/11/deja-vu-historico.html?zx=bf0d8996f2f1432c

Quando Arthur Miller escreveu As Bruxas de Salem, em 1953, usou a histeria religiosa de um dos períodos mais negros da história da humanidade, o da Santa Inquisição, para criticar o Macarthismo e a perseguição aos comunistas nos Estados Unidos.

O movimento criado pelo Senador Joseph McCarthy em 1951 baseava-se na ignorância, no preconceito e realizou uma verdadeira "caça às bruxas" da qual não escaparam pensadores, artistas e jornalistas da época. Na classe artística esse período ficou conhecido como Red Scare Era, a Era do Pânico Vermelho.

Se na idade média o simples fato de possuir um gato preto podia levar alguém à fogueira, durante o Macarthismo qualquer vestígio de pensamento "anti-americano" podia classificar o indivíduo como comunista e levá-lo à prisão, tortura e morte. Algo bem próximo ao que vivemos no Brasil durante o governo militar nos anos 60 e 70.

A Santa Inquisição foi criada em 1.184 e existiu até 1.821. Estima-se que tenha feito 9 milhões de vítimas. O Macarthismo durou pouco mais de 1 década e matou bem menos gente mas ocupa seu lugar na lista de momentos vergonhosos da história da humanidade.

A atriz e diretora Juliana Galdino resgata o clássico de Arthur Miller em uma versão muito particular. Trabalhando a luz ou a ausência dela, Galdino explora a força do texto e a interpretação vigorosa de um elenco de jovens e grandes talentos. Destaque para Fernando Gimenez, perfeito na pele do personagem John Proctor; e a surpreendente performance de Fernanda Valêncio como a escrava Tituba.

Com duração de aproximadamente 1 hora o espetáculo parece durar apenas alguns minutos, tamanha a tensão que envolve atores e expectadores. Nada separa o público do palco. Ao contrário. Sentados na platéia somos parte da trama, envoltos pela mesma escuridão nos tornamos cúmplices silenciados pelo medo.

Bruxas, em cartaz no Club Noir, é um espetáculo primoroso e, como todos os trabalhos de Juliana Galdino, não é entretenimento. É um convite a pensar, a refletir.

Bruxas

Adaptação de As Bruxas de Salem, de Arthur Miller

IV Paralela Noir

Cia Club Noir

Direção de Juliana Galdino

Em cartaz até 18 de dezembro no Club Noir

Rua Augusta, 331 - Consolação - São Paulo

Sábados às 21 h e Domingos às 20 h

Ingressos gratuitos

(Retirar 1 hora antes do espetáculo)

"Comunicação a uma academia" volta ao Club Noir

2011-11-16T03:47:00.000-08:00

Comunicação a uma academia

de Franz Kafka

Direção de Roberto Alvim

Com Juliana Galdino e Zé Geraldo Jr.

À partir de 22 de Novembro, às terças e quartas no Club Noir.

R$20,00 - interia

R$10,00 - meia

Em cartaz: BRUXAS

2011-11-16T03:35:00.000-08:00

Estreou no último dia 12 a IV edição da Paralela Noir o espetáculo BRUXAS, uma adaptação do texto "As Bruxas de Salém", de Arthur Miller.

O espetáculo dirigido por Juliana Galdino acontece aos Sábados, às 21h e Domingos, às 20h.

Os ingressos são gratuitos e podem ser retirados com 1 hora de antecedência do início do espetáculo.

Ficha Técnica

texto

Arthur Miller

direção

Juliana Galdino

assistente de direção

Renato Forner

Com

Amanda Mantovani

Alessandro Marba

Dawton Abranches

Débora Ester

Elisa Volpatto

Fernanda Valencio

Fernando Gimenes

Jackeline Stefanski

Letícia Rossetti

Luan Maitan

Mauricio Bittencourt

Marcelo Rorato

Paula Spinelli

Rafaela Pavão

Thais Rapini

técinca

Dias Filho

Priscila Sayuri

Club Noir participa da edição 2011 das Satyrianas

2011-11-16T03:29:00.000-08:00

*foto de lenise pinheiro

“Nas Cidades, as Florestas”, de Roberto Alvim.

Sinopse: Um bebê / uma morte / um fantasma... não são eles: somos nós - e não somos mais: outras mitologias... novos moldes. você ouviu?

Direção, Iluminação e Cenografia: Roberto Alvim

Figurinos: Juliana Galdino

Elenco: José Renato Forner, Bruno Ribeiro, Anapaula Csernik, Jackeline Stefanski Bernardes

Club Noir abre novas oficinas

2011-07-05T10:44:00.000-07:00

Depressões: sobre Juliana Galdino e Herta Müller

2011-07-05T10:37:00.000-07:00

Do site: http://www.maisrevistacultura.com.br/artigos/ver/139/depressoes-sobre-juliana-galdino-e-herta-mueller

A peça Depressões, dirigida por Juliana Galdino, é a primeira adaptação para o teatro brasileiro da obra de Herta Müller, escritora romena e vencedora do Prêmio Nobel de Literatura. A autora de O compromisso e O homem é um faisão sobre a Terra, estreou na literatura com a publicação do pequeno livro Depressões, uma reunião de contos em que se destaca a narrativa de uma menina do campo. Mas o que prevalece na obra de Müller, como enfatiza Ricardo Lísias, é o clima opressivo, presente em cada uma das linhas de seus textos, criado sobretudo através de uma sutil mas bastante habilidosa manipulação da linguagem. A Adaptação de Galdino capta, de modo feroz, esse ambiente opressivo do universo de Müller.

Em um dos pontos altos da peça um esboço de pranto domina a cena quando uma menina une os próprios braços diante do corpo. Murmúrios se misturam às palavras balbuciadas. A atriz narra, com alguma crueldade, as mazelas de um tempo difícil. Não importa o que ela diz. Talvez diga: “Olhamos para dentro da névoa quente, que é pesada e pressiona a tampa da nossa cabeça para dentro. Olhamos para longe de nossa solidão, de nós mesmos, e não suportamos os outros e nem a nós mesmos, e os outros do nosso lado também não suportam”. É a dor que se espalha entre a sombra e o gemido da personagem que incomoda o espectador. Tampouco o rosto da atriz interessa. A expressão facial sôfrega e desesperada perde-se diante da luz ofuscada, da imagem embaçada. É um sonho? Um pesadelo? Não é nada. A montagem de Juliana Galdino é como ouvir um grito de socorro do outro lado do muro, mas é impossível ultrapassá-lo, rompê-lo. Só podemos ficar inertes. Não há nada para fazer.

O teatro de Juliano Galdino, da Cia. Club Noir, fundamenta-se na estranha capacidade de estabelecer uma atmosfera de incômodo, sagaz e subjetiva, difícil de decifrar. Não há nenhuma espécie de discurso ou ideologia a ser disseminada pela palavra. Aliás, não há palavra de ordem. A palavra é o próprio estranhamento do homem que se projeta, do Sísifo que carrega a pedra até o cume da montanha todos os dias. E todos os dias a crueldade minuciosa faz crescer as suas raízes no chão da vida. É na sombra, não na escuridão, que encontramos o pequeno tecido de luz, e é exatamente aí, nesta fresta, que está situado o teatro de Juliana Galdino e Roberto Alvim. Quando, por alguns instantes, podemos observar as cicatrizes espalhadas no corpo.

Por isso, suspeito que o teatro da Cia. Club Noir seja uma variante do absurdo anunciado por Franz Kafka e Albert Camus. A menina de Herta Müller, na adaptação de Galdino, lembra Josef K. aturdido diante do tribunal, da cama inóspita do advogado enfermo, porque o labirinto é incontestável, mesmo quando parecemos crianças felizes.

No início da peça, três jovens atrizes interpretam a menina que narra o conto de Müller. O lirismo da narrativa confunde o espectador. A princípio, defrontamos com uma história supostamente feliz: “As flores lilases ao lado das cercas, o capim enrolado com suas sementes verdes entre os dentes de leite das crianças. (...) O besouro, que entrou em meu ouvido. Meu avô colocava álcool em meu ouvido, para que o besouro não subisse para a minha cabeça. Eu chorava. Minha cabeça zumbia e esquentava. O pátio todo girava e meu avô imenso estava no meio dele e girava junto”. Mas logo descobrimos os traços que mancham o cenário feliz. Até mesmo a leveza do figurino contrasta com a frieza das sombras.

A música é quase uma composição da fala, mistura-se a ela. Porém, é paradoxal. A melancolia da trilha sonora choca-se com o texto narrado e choca-se também com o corpo estático dos atores em cena. O movimento é sobretudo da palavra. O trabalho de voz em Depressões difere em muito dos outros trabalhos. Nessa montagem, a voz aparece menos impostada. Mas o que, de fato, move a encenação é a luz opaca e esquiva, característica da Cia. Club Noir.

O encontro de Juliana Galdino com a obra de Herta Müller resultou num trabalho minucioso, em que estranhamento, crueldade e certo lirismo compõem uma das melhores montagens do Projeto Mostra Paralela, que reúne novos atores nesse proeminente grupo de teatro brasileiro.

Serviço

Depressões

Texto: Herta Müller

Adaptação e direção: Juliana Galdino

Onde: Club Noir – São Paulo, SP

Adaptações: Sábados, às 21h e domingos, às 20h

Club Noir no FIT (Festival Internacional de teatro

2011-07-05T10:19:00.000-07:00

Do dia 09 ao dia 14 de Julho a Cia Club Noir estará no FIT (Festival Internacional de Teatro) em São José do Rio Preto. Serão duas apresentações de cada espetáculo que compõe o TRÍPTICO RICHARD MAXWELL: BURGER KING/ CASA/ O FIM DA REALIDADE.

Confira a programação do Club Noir no FIT aqui

Sobre o FIT

O FIT – Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto chega à sua 11ª edição reconhecido como uma das maiores manifestações culturais do país. O evento, que neste ano será realizado de 7 a 16 de julho, é um dos cinco maiores festivais de teatro do Brasil, e traz em sua grade de programação espetáculos locais, nacionais, infantis, internacionais e de rua.

Seguindo a tendência de levantar as diversas questões do teatro contemporâneo, os espetáculos apresentados este ano estão pautados no teatro como problematização do mundo, em que revelam-se processos artísticos de apropriação de outros processos. As peças retratam a maneira de como os diretores investigam e processam a realidade atual e a desenvolve no plano ficcional.

Nesta edição, o município de São José do Rio Preto será palco de 39 espetáculos, sendo 12 nacionais, dez locais, seis infantis, seis de rua e cinco internacionais. Ao todo, são 102 apresentações que invadirão os teatros, espaços alternativos e ruas da cidade.

O 11º FIT é apresentado pelo Ministério da Cultura e Petrobras, com apoio do ProAC e SESI, patrocínio da Caixa Econômica Federal e Bebidas Poty, e realização da Prefeitura Municipal de São José do Rio Preto, SESC-SP e Governo do Estado de São Paulo.

Psychopathia Sexualis. Fotos de Bob Sousa

2011-07-05T10:01:00.000-07:00

Paralela Noir III

2011-05-30T07:55:00.000-07:00

O projeto "Paralela Noir" é o resultado das Oficinas Prática de Montagem e faz parte da proposta da cia de "formação" de atores em linguagens contemporâneas.

Na terceira edição do projeto serão apresentados dois espetáculos:

III PARALELA NOIR:

*Psychopathia Sexualis, de Richard von Krafft-Ebing

(estreia 2 de junho)

Direção de Roberto Alvim.

quintas e sextas às 21h

*Depressões, de Herta Müller

(estreia 4 de junho)

Direção de Juliana Galdino.

sábados às 21h e domingos às 20h

entrada gratuita - retirar ingressos 1 h antes

Pinokio na lista dos preferidos:

2011-04-18T14:06:00.000-07:00

O Estado de São Paulo destaca "Hieronymus nas Masmorras" no FRINGE

2011-04-13T11:04:00.000-07:00

Do site: http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20110411/not_imp704595,0.php

Evento consagra nomes da cena local

Em sua 20ª edição, mostra revela emergência de criadores curitibanos

Maria Eugênia de Menezes - O Estado de S.Paulo

CURITIBA - O Festival de Curitiba atirou no que viu e acertou no que não viu. Na hora de montar a programação deste ano, os curadores se preocuparam em apontar o fortalecimento de uma vertente nacional: a dramaturgia.

Antes do Fim. Apoiada em texto do paranaense Marcelo Bourscheid, encenação de Marcos Damaceno se destacou no festival

Foi dentro desse espírito que a mostra paranaense elegeu a emergência de jovens autores como ponto de interesse. A grade oficial tratou de sublinhar uma nova geração, principalmente carioca, que despontou há menos de uma década e dá, agora, os sinais de uma produção mais alentada. Mas, certamente não encontramos aí o que essa 20.ª edição apresentou de notável.

Ainda que tenha acertado em algumas escolhas do eixo Rio-São Paulo, em 2011 Curitiba não se destacou pelo que trouxe de fora. Ao contrário. Surpreendeu pelos sinais de fortalecimento que o seu próprio teatro exibe.

No Fringe, grupos locais de renome revelaram continuidade de suas pesquisas estéticas, aprofundando inquietações. Com Oxigênio, talvez o melhor espetáculo visto nesta edição, a Cia. Brasileira de Teatro mostrou como a maturidade de um conjunto de artistas pode vir acompanhada de frescor e vivacidade. Já a Cia. Marcos Damaceno se firmou pela segurança com que conduziu Antes do Fim. Apoiado no texto do paranaense Marcelo Bourscheid, Damaceno erigiu uma encenação que, sem solapar os vínculos com a tradição do teatro dramático do século 20, não deixou de abrir espaço para a vertente narrativa da obra nem para seus escapes líricos.

A cena da cidade se redesenha também pelo surgimento de uma novíssima leva de dramaturgos. Nomes que não aparecem ligados por uma temática. Não é disso que se trata. Mas que compartilham de um anseio: a invenção de outras possibilidades de se construir narrativas cênicas.

Voltada a novas estratégias de dramaturgia, a mostra Outros Lugares evidenciou autores principiantes. Luiz Felipe Leprevost sobressaiu-se aí com O Butô do Mick Jagger, espetáculo tão irregular quanto promissor. Mais consistente é Hieronymus nas Masmorras, criação de Leprevost que integrou a Mostra Sesi de Dramaturgia e mereceu leitura potente de Roberto Alvim, da paulistana cia. Club Noir.

No mesmo caminho de recusa às formas dramáticas convencionais, encontramos alguns experimentos curitibanos. Homem-Piano, da CiaSenhas de Teatro, confirma o pendor performativo da cena atual. Outros trabalhos mantêm no horizonte o desejo de contar uma história. A Pausa Cia. consegue passear com graça pelos contos de Machado de Assis em Roteiro Escrito com a Pena da Galhofa e a Tinta do Inconformismo. Já no aparentemente despretensioso Ela i Eu Ou Nada Que Transpareça o cômico serve de disfarce para uma reflexão sobre a metalinguagem e os procedimentos próprios do teatro contemporâneo.

Em meio a tantas propostas não é fácil encontrar pontos de convergência. A linguagem surge manejada de formas diferentes. Com graus distintos de elaboração e acabamento. A amalgamar tudo isso talvez só reste uma certeza: nos próximos anos, prometem soprar do Sul os ventos que movimentam o novo teatro brasileiro.

* A repórter viajou a convite da organização do festival.

Folha de São Paulo destaca "Hieronymus nas Masmorras" no FRINGE

2011-04-13T10:34:00.000-07:00

Do site: http://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/fq1104201114.htm

Festival revela peças que buscam nova escrita teatral

CHRISTIANE RIERA

ENVIADA ESPECIAL A CURITIBA

Uma volta à dramaturgia de autor. É no campo da busca por uma nova escrita para a cena que se destacaram os espetáculos mais comentados na capital paranaense ao longo do maior festival de teatro deste país, que terminou ontem.

O enfoque seguro da mostra principal se deu com adaptações de clássicos por companhias estáveis, tais como o Grupo Galpão em "Tio Vânia" ou os Clowns de Shakespeare em "Ricardo 3º". É inegável, porém, a abertura para a diversidade na escolha de textos por dramaturgos brasileiros.

Newton Moreno com "O Livro" e "Sonhos para Vestir", escrito e interpretado por Sara Antunes, propuseram jogo cênico por meio de palavras.

"Savana Glacial", de Jô Bilac, e "As Próximas Horas Serão Definitivas", de Daniela Pereira de Carvalho, apresentaram dramaturgia elaborada, calcada em tramas.

Em "Estilhaços", escrito e dirigido por Eduardo Wotzik, texto e espaço em fragmentos diluíram palco e plateia.

Todos acima são espetáculos cariocas, vertente clara desta edição, alguns, inclusive, com apelo comercial.

É o caso de "Comedia Russa" e "Me Salve, Musical", ambos escritos por Pedro Brício. Da cena paulista, além de montagens para agradar o público, a única exceção experimental foi Ivam Cabral com "O Último Stand UP".

Na dramaturgia coletiva, o excelente "Adultério", criado pela Cia. Atores de Laura, e a Sutil Cia. com Felipe Hirsch, de volta ao caro tema do rock que celebrizou o grupo, com "Trilhas Sonoras de Amor Perdidas", parte dois da trilogia "Som & Fúria".

O Fringe mostrou-se ainda mais pulsante. Márcio Abreu surpreendeu com seu "Oxigênio" em alta voltagem e Luiz Felipe Leprevost, jovem curitibano autor de "Hieronymus nas Masmorras", inovou sob direção de Roberto Alvim e interpretação marcante de Juliana Galdino.

Em plena ascensão, a cena local trouxe à tona Marcos Damaceno, Diego Fortes, Alexandre França, Nina Rosa Sá e Andrew Knoll. Em comum, temas familiares ou domésticos despretensiosos, quebrados por linguagem cênica inventiva. Berço de Paulo Leminski, Valêncio Xavier e Manoel Carlos Karam, Curitiba reafirma sua forte verve criativa, agora também em dramaturgia.

Agenda do Ciclo de Palestras e Debates - Pinokio

2011-04-11T07:56:00.000-07:00

A Cia Club Noir realiza em seu teatro o Ciclo de Palestras e Debates - Pinokio.

A entrada é gratuita e os ingressos devem ser retirados no dia de cada palestra à partir das 20:30. O início das palestras será às 22h.

*lugares limitados

O ciclo começou no Sábado passado (dia 9/04) com o palestrante dr. Benilton Bezerra Júnior.

DR. JORGE FORBES

DIA 16 DE ABRIL DE 2011

Jorge Forbes é psicanalista e médico psiquiatra em São Paulo. Mestre e doutor em Psicanálise; Universidade de Paris VIII e Universidade Federal do Rio de Janeiro, respectivamente. É um dos principais introdutores do pensamento de Jacques Lacan no Brasil, de quem frequentou os seminários em Paris, de 1976 a 1981. Teve participação fundamental na criação da Escola Brasileira de Psicanálise, da qual foi o primeiro diretor-geral. Preside o IPLA - Instituto da Psicanálise Lacaniana e o Projeto Análise (www.projetoanalise.com.br). Dirige a Clínica de Psicanálise do Centro do Genoma Humano - USP. É "A.M.E." Analista Membro da Escola Brasileira de Psicanálise e da Escola Européia de Psicanálise. Tem vários artigos publicados no Brasil e no Exterior e é autor, dentre outros livros, de Você Quer o Que Deseja?, em que trata de uma psicanálise além Édipo, própria ao novo homem desbussolado da globalização.

É co-autor de A Invenção do Futuro, em que pensa soluções para viver nessa nova era de quebra dos ideais. Também colabora frequentemente com a grande imprensa, sendo curador e conferencista do Café Filosófico da CPFL – TV Cultura.

EDUARDO GIANNETTI

DIA 23 DE ABRIL DE 2011

Eduardo Giannetti é graduado em Economia e Ciências Sociais pela USP. PhD em Economia pela Universidade de Cambridge. É professor titular do Insper – Instituto de Ensino e Pesquisa em São Paulo e autor de diversos artigos e livros, entre os quais: Beliefs in action (1991); Vícios privados, benefícios públicos? (1993); As partes e o todo (1995); Autoengano (1997); Nada é tudo (2000); Felicidade (2002); O valor do amanhã (2005); O livro das citações (2008) e A ilusão da alma (2010). Eleito como o “Economista do Ano” em 2004 pela Ordem dos Economistas de São Paulo. Duas vezes ganhador do Prêmio Jabuti da Câmara Brasileira do Livro.

LUIZ FERNANDO RAMOS

DIA 30 DE ABRIL DE 2011

É graduado em Ciências Sociais pela FFLCH- USP e em Jornalismo pela Faculdade de Comunicação Social Casper Líbero. Fez mestrado em Artes Cênicas na ECA-USP e doutorado em Literatura Brasileira na FFLCH-USP. Coordenou o Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da USP entre 2006 e 2010. Realizou pesquisas em torno da produção teatral de Gordon Craig, Samuel Beckett, Tadeusz Kantor, José Celso Martinez Corrêa e Martins Pena. Foi presidente da Abrace - Associação Brasileira de Pesquisa e Pós-Graduação em Artes Cênicas, no biênio 2008-2010. É professor do Departamento de Artes Cênicas da Universidade de São Paulo desde 1998, lecionando as disciplinas de História, Crítica e Teoria do Teatro. É pesquisador do CNPq, coordenador do GIDE - Grupo de Investigação do Desempenho Espetacular e crítico de teatro da Folha de S. Paulo.

Juliana Galdino faz leitura de Fatia de Guerra, de Andrew Knoll

2011-04-09T07:42:00.000-07:00

A leitura ocorreu na Cia Brasileira de teatro e fez parte do projeto "em companhia de (...)", demtro do Festival de Curitiba 2011.

Juliana Galdino leu Fatia de Guerra, texto do curitibano Andrew Knoll (integrante do Núcleo de Dramaturgia SESI PARANÁ, com coordenação de Roberto Alvim).

Abaixo a publicação do autor em seu blog http://knollandd.blogspot.com/2011/04/fatia-de-guerra-leitura-na-cia.html

Ontem, 06/04/2011, 18:00h, aconteceu na sede da Cia Brasileira de Teatro, a Leitura do texto FATIA DE GUERRA, de minha autoria, no evento intitulado “em companhia de (…)", no Festival de Curitiba 2011.

a Leitura foiexecutada pela atriz Juliana Galdino, sob direção de Roberto Alvim, ambos da Cia Club Noir.

Depois de um dia turbulento de trabalho na produção de vídeos, e do ensaio para o outro texto de minha autoria – DEVASTIDÃO, para a MOSTRA SESI DRAMATURGIA – depois da imobilidade de 3 minutos em frente à porta do teatro, subi as escadas do prédio da Cia. Brasileira de Teatro.

Entrando na sala, notei o pesado silêncio que ali havia se instalado. A leitura já estava em andamento.

Na penumbra, no canto mais extremo e escondido da sala, temendo chamar atenção, não consegui tirar os olhos da figura vigorosa que, demonstrando uma técnica controlada, numa leitura rica em nuances, timbres, velocidade, tempos, exato controle sobre a atenção, de forma fluente - o que só uma atriz com técnica e dedicação suficiente poderia dispôr, sob uma direção precisa como foi a do Roberto - realmente um exemplo para toda a nossa geração - com uma naturalidade impressionante, fazia com que eu identificasse as palavras que um dia me propus a escrever, tomando agora, dimensões a se desenvolver e ecoar na efemeridade do tempo, na corporalidade do espaço.

Era "apenas" uma leitura, e no entanto, não vi da parte dela, nem do Roberto, desleixo para com o trabalho. Em nenhum momento.

Pelo contrário. Todo o respeito lhe foi imbuído, desde o seu primeiro contato.

Lá pelo fim da leitura, ela não se conteve, e emocionada, com a garganta presa, deixou as lágrimas rolarem, em frente a todos. Senti a atmosfera da sala mudar. Também, junto com ela, não deixei de me emocionar.

Mas, para fora de qualquer vaidade a n=me puxar para uma possível credulidade cegante que as condições do evento em si poderia sugerir, foi realmente uma ótima leitura, e pude constatar - avaliando comentários como os de Márcio abreu, feitos ainda no calor do evento - que o texto é sim capaz de ser também um objeto de comunicação, e, principalmente, de expansão de um modo de escrita que, para mim, está apontando no horizonte, e que também espero, que esteja apontando horizontes, num movimento que está julgo estar no seu início, e a ter de reinventar, possivelmente, técnicas específicas que possam dar conta destas novas abordagens.

Só tenho a agradecer a dedicação do que, julgo, deveria ser parâmetro geral para toda a geração de atores/atrizes que aí estão, visando o que ainda está por “se fazer”, afim de que possamos vislumbrar sobre possibilidades de encenar estes textos que estão sendo escritos agora, para este momento, ou para o momento vindouro. Sim - o vislumbre que se faz saudável, premente e urgente.

E, arriscando por cima, só com uma técnica afiada, exata , precisa – o que só se consegue com o debruçar-se com o devido rigor físico e intelectual sobre o trabalho, qualquer que seja este - e com o controle desta, por parte dos possíveis atores que se disporem ir ao encontro destes textos, é que poderemos apontar caminhos para a possível execução destas novas dramaturgias, afim de relativizarmos que caminhos poderemos apontar para a execução de experiências que possam ser provedoras, compartilhadoras e expansoras destes universos em questão.

* O identificar as questões que cada objeto de dramaturgia propõe, em específico.

* O colocar-se no lugar primordial de quem propõem tais questões, com e nos textos, especificamente, controlando a pretensão natural de querer dirigí-los, preenchendo por demais as lacunas que tais objetos se nos apresentam, dando assim uma sugestão finita para algo que, a meu ver, tende a nascer com o propósito ser, desde a gênese, um poema infinito.

* O estar aberto a o que eles podem nos oferecer.

Obrigado de todo à Roberto Alvim, por ter compartilhado comigo da leitura deste texto num fim de tarde, na sala da Casa do Damaceno. E à Juliana por ter se disponiilizado para a leitura.

Para mim uma honra, e uma motivação para continuar à escrita - ainda que considere este momento - BOXS, FATIA DE GUERRA, DEVASTIDÃO - como um desenho circular onde a linha já quase tange o ponto de seu início.

Ciclo de palestras e debates no Club Noir - Pinokio

2011-04-09T07:30:00.000-07:00

Começa hoje (9 de Abril) o Ciclo de Palestras e Debates- Pinokio, no Club Noir.

O primeiro palestrante é o DR. BENILTON BEZERRA JUNIOR.

Acompanhe nosso blog para saber sobre outros convidados e as datas dos debates.

DR. BENILTON BEZERRA JUNIOR

Psicanalista, psiquiatra, professor do Programa de Pós-Graduação em saúde Coletiva do Instituto de Medicina Social da UERJ (Universidade Estadual do Rio de Janeiro). Pesquisador do PEPAS - Programa de Estudos e Pesquisas da Ação e do Sujeito, no IMS-UERJ. Membro da direção do Instituto Franco ...Basaglia (ONG que atua no campo da atenção à saúde mental) e da Casa da Árvore (ONG que trabalha na atenção à primeira infância em favelas do Rio de Janeiro). Pesquisador no projeto de cooperação intercultural Brasil/Alemanha PROBRAL (CAPES/DAAD) sobre o tema: "O sujeito cerebral: impacto das neurociências na sociedade contemporânea".

DIA 9 DE ABRIL DE 2011 - 22h00

Evento gratuito - os ingressos serão distribuidos a partir das 20h30

2011-04-03T06:07:00.000-07:00

Club Noir no FRINGE.

2011-03-30T06:52:00.001-07:00

No começo de Abril, a Cia Club Noir estreará no Festival de Curitiba o espetáculo Hieronymus nas Masmorras, de Luis Felipe Leprevost.

Num jogo lírico-narrativo de múltiplas vozes, Hieronymus Nas Masmorras, de modo coeso e repleto de camadas de interpretação, interferindo na História e poeticamente (a poesia é justiça - Pasolini) a recriando, apresenta o aparecimento de um novo mito (criminoso ou vítima?), surgido num tempo em que a ordem mundial transita do desamparo à barbárie com a velocidade de um piscar de olhos que dura um piscar de olhos do poder e exploração em séculos e séculos de tragédia humana agora.

Hieronymus nas Masmorras

Direção: Roberto Alvim

Elenco: Juliana Galdino, Ricardo Grasson e Renato Forner

Trilha Sonora: F. Ribeiro

Figurino e Adereços: Juliana Fernandes

Iluminação: Roberto Alvim

Pinokio. Fotos de Bob Sousa.

2011-03-30T06:22:00.001-07:00

FOLHA DE SÃO PAULO. Ilustrada 25/03/2011

2011-03-25T08:32:00.000-07:00

Dramaturgo impulsiona teatro experimental do país

GABRIELA MELLÃO

DE SÃO PAULO

O círculo é o signo da completude. Uma linha curva que ao se fechar traduz de maneira absoluta o conceito de perfeição.

Em "Pinokio", novo trabalho do autor e diretor Roberto Alvim e de sua Cia. Club Noir, uma esfera incompleta e um tanto distorcida coroa a cena.

Evoca um mundo instável, que traduz seu pensamento. Como artista, professor ou curador, Alvim fez progredir o teatro experimental do país nos últimos cinco anos.

Compôs uma grade de programação de alto teor experimental no Festival Internacional de São José do Rio Preto, em 2010.

Nas aulas de dramaturgia ministradas por ele na SP Escola de Teatro, em São Paulo, e no Núcleo de Dramaturgia do Sesi Paraná, em Curitiba, suas ideias revolucionárias sobre teatro contaminam também estudantes. Ele começa a formar uma nova leva de autores teatrais.

Cinco deles se apresentam no Fringe, mostra do Festival de Curitiba, que começa na terça. Entre eles, Luiz Felipe Leprevost, autor de "Hieronymus nas Masmorras", que estreia com encenação do próprio Alvim com Juliana Galdino, sua mulher e parceira na Cia. Club Noir, considerada uma das maiores atrizes de sua geração.

Lenise Pinheiro/Folhapress

O dramaturgo Roberto Alvim, que tem ideias revolucionários sobre o teatro, na sede do grupo Cia. Club Noir (SP)

"A maneira como nós compramos a ideia de vida humana é limitadora", diz Alvim, 38, à Folha.

A arte da Cia. Club Noir busca, a partir da linguagem, criar sobre o palco um universo desconhecido. "O grande teatro reconstrói o mundo", afirma.

Alvim relembra uma experiência definidora. Com oito anos, aventurou-se pela biblioteca de seus pais. Tirou da estante o livro "Histórias Extraordinárias", de Edgar Allan Poe.

Ao mergulhar na obra, o menino que se tornaria um dos mais radicais encenadores de teatro experimental na atualidade foi tomado por um pânico absoluto.

Em sua mente fértil, as sombras adquiriram vida e o invisível se propagou. "Ao travar contato com aquelas palavras, o mundo inteiro se desconstruiu e se reconstruiu na minha frente."

Trocou o sonho de ser físico nuclear por outro: seria autor de teatro.

Cia. Club Noir instiga com teatro caótico e pulsante

DE SÃO PAULO

A engrenagem da vida e a do teatro rodam fora do eixo para Roberto Alvim. Seu inconformismo com o mundo chegou a ser confundido com loucura.

Isso até o autor e diretor fundar com a atriz Juliana Galdino uma das mais investigativas companhias de teatro do país, a Cia. Club Noir, em 2006.

Em "Anátema", espetáculo inaugural do grupo, Alvim começa de fato sua busca pela construção de novos fundamentos teatrais.

Em "O Quarto" -vencedor do Prêmio Bravo! de melhor espetáculo de 2008-, fez renascer o primeira peça de Harold Pinter.

Em "Tríptico Richard Maxwell" -indicado ao Prêmio Bravo! de Melhor Espetáculo de 2010 e ao Shell pela pesquisa e criação da obra-, Alvim apresentou um panorama da arte vanguardista do dramaturgo norte-americano Richard Maxwell.

O encenador cria no palco sua própria visão de mundo, alterando a percepção cotidiana de tempo e espaço.

REALIDADE

Os dez espetáculos montados pela companhia evocam uma realidade que nasce a partir do texto e concretiza a ausência, rejeitando conceitos enraizados sobre sujeito, narrativa e interpretação.

Evidenciam também o apetite de Alvim por uma cena penumbral capaz de instigar o imaginário e uma arquitetura dramatúrgica original, na qual inúmeros emissores habitam um personagem.

Há cinco anos Alvim amadurece -e radicaliza- seus conceitos em cena. O ciclo dessa trajetória investigativa, que fez avançar o teatro contemporâneo do país, culmina justamente em "Pinokio", seu experimento artístico mais radical.

"Pinokio" é um filho feio (no sentido de que não está no padrão de beleza que a hegemonia elegeu) que marca o começo de algo realmente fundante. O início de uma vereda em direção a um planeta que não se conhece, mas onde se quer morar.

(GABRIELA MELLÃO)

Com neologismos, texto sacrifica recepção em nome de poesia cênica

CHRISTIANE RIERA

CRÍTICA DA FOLHA

O diretor e dramaturgo Roberto Alvim tem sido celebrado como um dos autores mais inovadores e arrojados à frente do Club Noir, criado em parceria com a atriz Juliana Galdino.

Sua mais recente montagem, "Pinokio", inspirada em "Pinóquio", de Carlo Collodi (1826-1890), vem reiterar esses títulos.

Do original, há pouco sobre o boneco que fabrica histórias, cujo drama está em padecer na transição do estado puramente material para a dimensão espiritual.

O ganho de vida traz o imponderável, algo moralmente confuso e angustiante. Diferentemente do clássico, o espetáculo apresenta seres humanos com a mesma angústia de se encontrar em processo de mutação. Em via contrária, aqui o espírito inquieto sofre com suas fusões em matéria.

Alvim elimina naturalismo e narrativas para criar rascunhos do que podemos vir a ser: "Uma coisa é alguém coisa".

A batalha é travada com um texto cheio de neologismos e palavras deslocadas que servem para inquietar, não para explicar. Trama e conflito cedem lugar a ruídos e sussurros, que carregam o tema do hibridismo entre corpos e máquinas.

"Restos dele escoam pelos canos intestinos vísceras tubulações da casa."

No palco, atores imóveis estão sujeitos à iluminação que os transforma. Luz branca resulta em troncos sombreados. Focos isolados revelam rostos pasmados. Por último, um vermelho insistente parece mergulhá-los em impalpável perigo.

Personagens são vozes aprisionadas e manifestas em timbres distintos. Do ponderoso tom de Juliana Galdino ao melancólico de Rodrigo Pavon, cria-se uma escala de ressonância acústica variada, segundo as diversas profundidades em que se posicionam no palco.

Com isso, a sensação é de instabilidade no espaço.

"Pinokio" é poesia cênica radical. Propõe a combinação de som e imagem como uma experiência sinestésica, mesmo que sacrifique facilidade na recepção do texto.

Se o hermetismo é veículo para reproduzir a aflição de um nebuloso mundo em transição, também afasta o espectador de tal fruição, ao oferecer pouquíssimos fios em que se agarrar na travessia por esse labirinto.

No final, olhares perplexos do público. Alguns inconformados com a obscuridade da proposta. Aqueles que aceitaram o tormento em lidar com um universo desconhecido refizeram a trajetória de um Pinóquio: "Um eco e a vertigem. Perguntas?".

PINOKIO

QUANDO de quinta a sábado, às 21h; domingos, às 20h

ONDE Club Noir (r. Augusta, 331; tel. 0/xx/11/3255-8448)

QUANTO R$ 10

CLASSIFICAÇÃO não informada

AVALIAÇÃO ótimo

Exposição de Edson Kumasaka no Club Noir

2011-03-24T06:43:00.000-07:00

Bibelôs em Transe

O mundo está cheio de olhos. Olhos de gente, olhos de bichos (terrestres, aéreos, marítimos) e talvez até olhos de extraterrestres, que nos espiam como voyeurs do espaço. E o que esses olhos vêem? Que imagens uma baleia vê no fundo mar? Como será que um gavião-real enxerga as montanhas lá de cima? O que um cachorro vê quando nos olha fixamente? E um gafanhoto, o que ele vê com seus olhos multifacetados? O mundo que um mendigo da Praça da Sé vê será o mesmo mundo visto por um executivo da Bolsa de Valores?

Quantas vezes passamos diante de algo e seguimos em frente sem ver o que estava ali? Esse jogo de olhar e ver ou olhar e não ver pode ser fatal se pensarmos numa surucucu enrolada no meio de uma espessa folhagem e só vista quando já é tarde demais, quando as presas já penetraram no tornozelo. Ou pode se transformar numa brincadeira curiosa e inesperada quando um fotógrafo vê algo insuspeitado e dispara sua câmera.

O que chama mais atenção, de imediato, na série de fotos Bibelôs em Transe, de Edson Kumasaka é esse jogo do olhar de quem vê e do olhar de quem é visto. Ainda mais porque, nesse caso, “quem” é visto não é exatamente “alguém”. Mas não há como deixar de ver as expressões expressas nos olhares desses bibelôs: umas são abertamente catatônicas, meigas ou desconfiadas, outras são francamente assustadoras.

Quantas vezes passamos diante de prateleiras de lojas e não vimos o mesmo que Edson Kumasaka viu, selecionou, enquadrou e fotografou?

E esse é o ponto mais interessante desse jogo: o fotógrafo não tirou os bibelôs dos seus lugares, não os levou para um estúdio, não escolheu a luz adequada para captar a imagem: ele fotografou ali mesmo, nas prateleiras, ali, onde eles estavam. Fez uma espécie de ready-made ao contrário: em vez de deslocar um objeto banal para um espaço com status artístico (um museu ou um estúdio fotográfico), enquadrou o objeto no próprio local em que estava e trouxe para um “espaço de arte” (a galeria ou as páginas de uma revista) apenas a sua imagem, filtrada e construída, obviamente, pelo seu olhar, com auxílio técnico da câmera fotográfica.

Parece bobagem. Mas, pode ter certeza: quem olhar e ver essas fotos jamais vai olhar para esses bibelôs da mesma maneira. Daqui pra frente, eles sempre estarão em transe.

Mesmo aquele inocente e kitsch pingüim que você tem em cima da geladeira.

Ademir Assunção

Serviço

de terça a sábado, da 10h às 21h

domingo, das 16 às 20h

club noir. rua augusta, 331. 3255 8448

Metrópolis- TV Cultura- destaca o espetáculo PINOKIO.

2011-03-18T11:33:00.000-07:00

Clique no link abaixo para assistir a matéria.

http://www.tvcultura.com.br/metropolis/programas/61778

O Estado de São Paulo: Roberto Alvim visita clássico de Collodi.

2011-03-18T11:29:00.000-07:00

Do site: http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20110317/not_imp692968,0.php

Maria Eugênia de Menezes - O Estado de S.Paulo

Inventar o futuro. Parece ser essa a ambição a nortear a criação do diretor Roberto Alvim. A concepção de uma cena que dê conta do contemporâneo não apenas em seus procedimentos e formas. Que não se restrinja às propaladas desconstruções ou sistemas pós-dramáticos. Em Pinokio, novo espetáculo da Cia. Club Noir que estreia hoje, Alvim lança-se em um território que pretende exceder o drama, extrapolar o teatro. Sem meneios, declara a intenção de nos apresentar um instantâneo do que seria um novo homem, uma humanidade para além do humano.

Edson Kumasaka/Divulgação

Invenção. Peça utiliza linguagem repleta de neologismos para tratar de um ser formado por pedaços de corpos e de objetos

Não são modestas as intenções do encenador. Depois de mergulhar na obra do norte-americano Richard Maxwell para compor Tríptico - um conjunto de três peças levado ao cartaz em 2010 -, Alvim volta-se agora a um texto de lavra própria. Debruçado sobre a fábula clássica de Carlo Collodi, visita a história do boneco transformado em menino para trilhar um percurso às avessas. Neste Pinokio, são os homens que passam pela experiência de tornar-se outra coisa, uma espécie de máquina surgida da sobreposição de pedaços de corpos e de objetos.

Na contramão de qualquer apego a uma suposta essência humana, o diretor demonstra-se devoto de uma ideia de identidade que não precisaria ser descoberta, mas forjada. "Existe uma recusa a essa máxima de "conhece-te a ti mesmo". A luta é por encontrar não dentro de nós, mas fora de nós, em outras paisagens, a ideia de humanidade."

Novas maneiras de existir e habitar o mundo demandam também uma nova linguagem. Para erigir o seu drama não dramático, Alvim dispõe de uma língua reinventada. Eivada de neologismos e construções sintáticas inusuais, a peça transporta o espectador a um lugar desconfortável, onde não é possível seguir a semântica do que está sendo dito.

A ambição, que resvala na proposta de precursores como o dramaturgo francês Valère Novarina, é a de criação de uma estrutura em que nada precisa ser necessariamente compreendido. Entra em derrocada a noção de entendimento, desponta a de experimentação.

Se o intuito que atravessa Pinokio é atingir o público em seus sentidos, isso não o torna menos cerebral. Ainda que Alvim não alardeie suas referências, é difícil não vislumbrar na sua ficção rastros e desdobramentos das proposições de filósofos, como Gilles Deleuze. Transversalmente, surgem evocações a conceitos cunhados pelo autor de Mil Platôs, como "linhas de fuga", "rizoma" ou "máquina desejante".

A transposição do texto à cena sugere uma continuidade do projeto estético no qual a Cia. Club Noir persevera desde sua criação, em 2008. Assim como nas montagens anteriores, será possível antever a marca de uma encenação minimalista: a luz rarefeita, a cenografia que tende ao abstrato, a elocução lenta, em que a palavra encontra relevos inesperados. Todos esses traços, porém, teriam atingido agora certo paroxismo.

Radicalizados ao extremo, o imobilismo e a propensão à escuridão levaram o grupo a um lugar praticamente sem saída. "É como se tivéssemos forçado esse sistema a um ponto que decreta a sua morte. Não tenho a menor ideia de para onde vamos depois deste trabalho, nem se é possível continuar a fazer peças." Talvez no teatro, como na vida, render-se ao desconhecido seja um risco que valha a pena correr.

PINOKIO
Club Noir. Rua Augusta, 331, telefone 3255-8448. 5ª a sáb., às 21 h; dom., às 20 h. R$ 10. Até 15/5.

Pinokio. Folha de São Paulo.

2011-03-17T07:04:00.000-07:00

do site: http://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/fq1703201122.htm

"Pinokio" desestabiliza a lógica do teatro

Espetáculo escrito e dirigido por Roberto Alvim, que estreia hoje, radicaliza experiências do grupo Club Noir

Inspirada na fábula "Pinóquio", peça busca a renovação teatral com dramaturgia desconexa e linguagem poética

GABRIELA MELLÃO
COLABORAÇÃO PARA A FOLHA

Em "Pinokio", nova peça do grupo Club Noir que estreia hoje, uma personagem questiona-se sobre a invenção com a qual se defronta.
"O que era aquilo?", ela se pergunta antes de deixar de ser para sempre quem foi um
dia. "Aquilo, isto, o que é?" A cena retrata o primeiro contato de um homem com algo nunca visto, experiência tão desestabilizante quanto renovadora.
"Pinokio" é um convite para a plateia se confrontar com o desconhecido.
Busca a renovação da cena teatral, a reativação do poder desta arte de despertar sensibilidades adoecidas pelo fluxo contínuo de mediocridade que contamina o teatro e o mundo de hoje.
"Pinokio" é inspirado na fábula "Pinóquio", de Carlo Collodi (1826-1890).
O espetáculo escrito e dirigido por Roberto Alvim apropria-se do conceito de transmutação impregnado na história deste boneco que se torna homem para transformar seres humanos em uma outra coisa, através da hibridação de corpos e máquinas. O homem surge com status de ícone através de personagens que rejeitam o comportamento padrão da existência cotidiana.

ESTÁTUAS
Em cena, Juliana Galdino, Rodrigo Pavon e os demais atores mais parecem estátuas evocando um novo mundo, cuja atmosfera, criada por uma tinta a óleo preta que escorre das paredes do palco, é ao mesmo tempo negra e úmida.
""Pinokio" nasce da percepção de que a maneira como nós classificamos a condição humana é banal e limitadora. A arte não deveria reiterar a ideia de ser humano burguês. Arte tem a ver com liberdade", fala Alvim.
A trama inexistente, composta por uma dramaturgia bastante fragmentária, desconexa e próxima da lógica da poesia, chega ao extremo do essencial, dispensando muitas vezes o uso de frases completas.
Alvim restitui o poder oculto das palavras, servindo-se sobretudo de sua força primária, potencializada através da cena penumbral.
Sugere assim um universo misterioso, só passível de ser desvendado com a contribuição do inconsciente dos espectadores.
"A criação desta linguagem instiga o imaginário na invenção de novos significados, redefine a estrutura de pensamento e sensibilidade, reconstruindo o modo de estarmos no mundo", explica o diretor.

PINOKIO

QUANDO de qui. a sáb., às 21h, e dom., às 20h; até 15/5
ONDE Club Noir (rua Augusta, 331; tel. 3255-8448)
QUANTO R$ 10
CLASSIFICAÇÃO 14 anos

Revista Folha de São Paulo destaca a estréia de PINOKIO

2011-03-14T07:47:00.000-07:00

Do site: http://www1.folha.uol.com.br/revista/saopaulo/sp1303201127.htm

No contraluz

MARIA LUÍSA BARSANELLI

O nome remete à fábula do boneco de madeira escrita pelo italiano Carlo Collodi (1826-1890). Mas "Pinokio", a nova peça do Club Noir, que estreia na quinta (17), apenas alude à história.

O texto do diretor Roberto Alvim se apropria do conceito de transformação da obra de Collodi para evocar um mundo imaginário em que humanos se misturam a máquinas. Com uma linguagem inusual, a dramaturgia busca incitar a subjetividade do espectador. Confira a explicação de Alvim para alguns conceitos da montagem:

Fala

Há muitos "planos vocais" nas falas e não há interação entre os personagens -ou "figuras" como o diretor prefere chamá-los. "Às vezes existem cinco frases dentro de uma só. São monólogos articulados. Algo evocado em uma fala reverbera na seguinte."

Iluminação

Não há refletores, apenas uma linha branca néon ao fundo, um quase círculo vermelho e uma luz lateral no rosto dos atores. Eles estão sempre no contraluz. "São figuras silhuetadas. Assim, o público pode projetar nelas conteúdos do seu inconsciente."

Umidade

No cenário preto, o chão de mármore craquelado e os tecidos do figurino são alguns dos poucos elementos que criam a textura visual da peça. Um verniz nas paredes dá a ideia de umidade, uma alusão ao ambiente "onde se que gera a vida".

Círculo inacabado

O desenho do círculo vermelho néon ao fundo do palco não se fecha. "É uma síntese que não se dá, como um futuro incerto. É difícil de verbalizar, mas é resultado de uma proposta que a gente tem há muito tempo: uma alteridade radical em cena."

PINOKIO é a nova peça do Club Noir.

2011-03-04T05:58:00.000-08:00

“Pinokio”, novo trabalho da companhia Club Noir, culmina e sintetiza toda a técnica original que desenvolvemos em nossos 5 anos de trajetória. É nossa obra definitiva, que concretiza nossa pesquisa de criação de alteridades radicais em cena. (Roberto Alvim, diretor.)

O título faz menção à fábula de Carlo Collodi, na qual um boneco transforma-se em ser humano. Aqui, seres humanos metamorfoseiam-se em uma espécie de transhumanidade, através da hibridação de corpos e máquinas. A ação se dá em um mundo inteiramente inventado, habitado por criaturas que existem através de uma linguagem neológica, configurando uma nova mitologia.

Serviço:

“Pinokio”

Texto e direção: Roberto Alvim.

Elenco: Juliana Galdino, Rodrigo Pavon, Janaína Afhonso, José Geraldo Jr. e Katiana Rangel

Quando: de quinta a sábado, 21h; domingo, 20h.

Onde: Club Noir. Rua Augusta, 331, Consolação, São Paulo.

Informações: 3255-8448 / 3257-8129.

Ingressos: R$ 10,00.

Duração: 50 minutos.

Club Noir no programa Starte - Globo News

2011-03-01T07:31:00.000-08:00

Diversidade de repertório toma conta das salas de teatro

Veja quatro peças de diferentes gêneros que estão em cartaz no Rio de Janeiro e de São Paulo no verão de 2011.

Na histórica Rua Augusta, em São Paulo, uma nova companhia, em um novo teatro, o Club Noir, escolheu o texto de um dramaturgo norte-americano para dar ênfase à palavra e falar, na penumbra do teatro, da realidade em que vivemos. No Rio de Janeiro, a peça "Me salve, musical" usa o próprio teatro como tema e faz pensar através de bons momentos de farsa e de comédia. O programa mostra também os bastidores da peça "Shakesparque", uma montagem imperdível com trechos de clássicos do bardo, que tem lotado um dos cenários mais bonitos do Rio de Janeiro: o Parque Lage.

http://globonews.globo.com/Jornalismo/GN/0,,MUL1649468-17665-321,00.html

Club Noir na exposição do fotógrafo Bob Souza.

2011-02-19T06:29:00.000-08:00

foto de Bob Souza para o espetáculo Burger King - Tríptico [Richard Maxwell]

Medos, tensões, espasmos, o grito, o olhar, a dor e a lágrima, instantes eternizados, todos congelados pela fotografia. Esse universo da representação dos sentimentos e ações humanas é revelado na exposição “Palco”, do fotógrafo Bob Sousa.

Ao todo, serão apresentadas fotografias de 24 cenas de peças montadas pelos principais grupos de teatro paulistanos como o Centro de Pesquisas Teatrais (CPT), Os Satyros, a Cia. Club Noir, o Núcleo Experimental e o Cemitério de Automóveis.

Mais informações no site

http://spescoladeteatro.org.br/noticias/ver.php?id=628

Serviço:

“Palco”, por Bob Sousa

Local: Reitoria da Unesp

Rua: Quirino de Andrade, 215 – Centro – São Paulo

Data: 24 de fevereiro a 24 de março

Horário de abertura da exposição: 9 horas

Horário para visitação: de segunda à sexta-feira, das 8h às 17h

Entrada gratuita

Em Breve...

2011-02-15T07:42:00.001-08:00

Roberto Alvim foi o convidado para o Papo de Teatro do portal da Escola SP de Teatro

2011-02-14T11:05:00.000-08:00

Do site: http://www.spescoladeteatro.org.br/noticias/ver.php?id=612

Papo de Teatro com Roberto Alvim

Roberto Alvim é diretor e dramaturgo

Como surgiu o seu amor pelo teatro?

Surgiu no momento em que me dei conta de minha impossibilidade de habitar o mundo da maneira como este se configurava, e da necessidade imperiosa de reconstruir tudo (inclusive a mim mesmo), desenhar outras possibilidades, alteridades radicais, diferenças, linhas de fuga. O teatro se constitui como o campo fértil para a expansão destas outras construções.

Lembra da primeira peça que assistiu? Como foi?

“Fedra”, de Jean Racine, direção de Augusto Boal, com Fernanda Montenegro. Eu tinha 12 anos, e o deslocamento que a obra provocou em mim foi extremamente poderoso. Percebi que o mundo não era só a vida cotidiana, que a experiência humana era muito maior do que eu supunha possível.

Qual foi a última montagem que você viu?

“Abracadabra”, de Luiz Päetow. Um espetáculo singular, de imensa importância.

Um espetáculo que mudou o seu modo de ver o teatro.

“4.48 Psicose”, texto de Sarah Kane, com Isabelle Huppert, direção de Claude Régy, em minha opinião o maior diretor de teatro em atividade hoje.

Um espetáculo que mudou a sua vida.

O teatro precisa, sempre, mudar as nossas vidas, ampliando a experiência humana de nosso tempo, nos conduzindo por veredas insuspeitadas, para além da experiência que a cultura pode proporcionar.

Você teve algum padrinho no teatro? Se sim, quem?

Não, mas tive três mestres, que foram fundamentais em minha fase de formação: os diretores Moacyr Góes (no Rio de Janeiro, início dos anos 90) e Antunes Filho, em 1995; e o dramaturgo Bosco Brasil, em 2001. Eles me mostraram, cada um a sua maneira, que o teatro pode ser arte, que a realidade da cena não precisa imitar o mundo, mas que pode se configurar como uma outra possibilidade de experienciarmos a vida.

Já saiu no meio de um espetáculo? Por quê?

Já, lamentavelmente. Aconteceu porque percebi que se tratava de uma obra castrada, que negava a infinita potência transfiguradora do teatro, limitando-se a reproduzir formas e discursos hegemônicos, como um papagaio ou um boneco de ventríloquo. Toda forma traz consigo uma ideologia, e às vezes nos tornamos (ainda que inadvertidamente) instrumentos de linhas de pensamento que limitam a liberdade humana.

Teatro ou cinema? Por quê?

Teatro, sem dúvida alguma, porque se irmana à vida, no sentido de que se trata de uma construção biofísica que se processa diante de nós, conosco. Trata-se da presença humana (pura, sem intermediações) em sua máxima potência, modelando o tempo, o espaço e a própria condição humana, através de outras habitações da linguagem.

Cite um espetáculo do qual você gostaria de ter participado. E por quê?

“O Balcão”, texto de Jean Genet, direção de Victor García, pelo lugar mítico que a montagem ocupa em meu imaginário.

Já assistiu mais de uma vez a um mesmo espetáculo? E por quê?

Sim, e acredito que quando uma peça se coloca no campo da arte, deve ser visitada mais de uma vez, como fazemos com um quadro ou com um livro. Na primeira vez somos tomados pela estranheza diante de um sistema formal fundante, e tendemos a reagir com repulsa. Aí precisamos olhar de novo, para compreendermos e vivenciarmos plenamente a experiência que a obra pode nos proporcionar. Quanto melhor o espetáculo, quanto mais inaugural é o seu sistema, mais se torna imperioso um segundo olhar.

Qual dramaturgo brasileiro você mais admira? E estrangeiro? Explique.

Todos os grandes dramaturgos (clássicos e contemporâneos, nacionais e estrangeiros) são exemplos, não modelos. Percebo a pulsão de ruptura com uma lógica cultural banalmente limitadora e redutora da condição humana em seus trabalhos. Analiso suas estratégias, o modo admirável como tensionam suas obras; são exemplos de como a dramaturgia pode ser revolucionária, de como pode nos levar a uma renovação completa de nossa noção de sentido. São exemplos, volto a dizer, não modelos; mas são nomes como Harold Pinter, G. Motton, Sarah Kane, Heiner Müller, Michel Vinaver, Richard Maxwell, Valère Novarina, Edward Bond, Jon Fosse, Joe Orton, Enda Walsh, Samuel Beckett, Arne Lygre, David Harrower, que provam que é possível, sim, reconstruir o mundo inteiro sobre o palco. Entender e vivenciar a nossa humanidade de outros modos, transfigurando os significados, configurando outros modos de subjetivação. Para isso, o trabalho de poetas como Friedrich Hölderlin e Robert Creeley, de romancistas como William Faulkner, Herta Müller e Antônio Lobo Antunes, de filósofos como Ludwig Wittgenstein, Martin Heidegger, Jacques Lacan e Gilles Deleuze, de pintores como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Francis Bacon, Cy Twombly, e de teóricos da arte como David Sylvester, Clement Greenberg, Arthur Danto, T. J. Clark e Harold Rosemberg também são estímulos fundamentais.

Qual companhia brasileira você mais admira?

Admiro a companhia São Jorge, de Georgette Fadel. Reconheço autoridade artística (ética e estética) em tudo o que fazem.

Existe um grupo ou companhia de teatro que você acompanhe todos os trabalhos?

Sim, o Societás Raffaello Sanzio, grupo italiano de Romeu Castellucci; e o New York City Players, grupo americano de Richard Maxwell.

Qual gênero teatral você mais aprecia?

Não acredito em gêneros. É um modo confortável de normatizar a produção artística. Toda grande obra não se localiza em gênero algum, transitando em esferas inomináveis, localizando-se fora da cartografia reconhecível da cultura.

Qual lugar da plateia você costuma sentar? Por quê? Qual o pior lugar em que você já se sentou em um teatro?

Acredito apenas em teatros pequenos, íntimos, para poucos espectadores, nos quais todos os lugares são bons, porque o fluxo de energia que se estabelece entre palco e plateia não é obliterado pela distância.

Fale sobre o melhor e o pior espaço teatral que você já foi ou já trabalhou?

Os melhores são aqueles nos quais a energia encontra fluxo livre na sala de espetáculos; os piores são aqueles imensos, pretensamente luxuosos, nos quais as cadeiras se parecem com as mesmas que encontramos em salas de espera de aeroportos. O poderio econômico ostensivo destes lugares é avesso à possibilidade maior do teatro, que é a de reconfigurar, política e existencialmente, as nossas vidas.

Já assistiu a alguma peça documentada em vídeo? O que acha do formato?

Já, e serve apenas a título de registro. Não podemos confundir isto com o fenômeno teatral real, que só pode ser experimentado em sala de espetáculo.

Existe peça ruim ou o encenador é que se equivocou?

É ruim quando não nos proporciona a renovação, de modo autônomo, de nossa sensação de mundo. É ruim quando a imagem da humanidade construída no palco é estereotipada, banal. É ruim quando perpetua a ignorância, quando propaga uma ideia acerca do ser humano que é conveniente para a formação dos grandes e anódinos mercados consumidores de nossa alienadora sociedade contemporânea. A responsabilidade sobre isso pode advir da visão superficial do encenador, do dramaturgo ou dos atores; nestes casos, não é que seja apenas ruim: é trágico, no sentido do desperdício de uma valiosíssima e insubstituível oportunidade.

Como seria, onde se passaria e com quem seria o espetáculo dos seus sonhos?

Vivo o teatro dos meus sonhos todos os dias, com minha companhia, o Club Noir. É exatamente onde eu sempre quis estar: um lugar de criação artística sem concessões, norteado pela descoberta e pela invenção de outras possibilidades para o ser humano. Não quero estar em nenhum outro lugar a não ser aqui, com estes atores.

Cite um cenário surpreendente.

Aquele que existe como uma parte indissociável do todo, sem se impor como elemento autossuficiente, por mais belo ou impressionante que seja.

Cite uma iluminação surpreendente.

Aquela que compõe uma dramaturgia da luz, configurando um sistema complexo que dialoga com a obra, criando outros níveis de leitura, deslocando nossa percepção de modo surpreendente.

Cite um ator que surpreendeu suas expectativas.

Luís Melo, em “Vereda da Salvação”, texto de Jorge Andrade, direção de Antunes Filho.

O que não é teatro?

O que não reconstrói a vida segundo outras regras, distintas daquelas que seguimos no mundo lá fora.

Que texto você foi ler depois de ter assistido a sua encenação?

“Quando Nós Mortos Acordarmos”, de Henrik Ibsen, após assistir à encenação de Robert Wilson, com o American Repertory Theatre.

A ideia de que tudo é válido na arte cabe no teatro?

A experimentação é inerente à criação de obras de arte, na medida em que o artista busca sempre a renovação das formas e dos discursos, vivificando sua produção e ampliando o working space do teatro. É preciso manter o espírito aberto. O julgamento a respeito da validade ou não da experiência fica a cargo de cada um dos receptores. O que foi altamente válido para mim pode não ter sido pra você, e vice-versa.

Na era da tecnologia, qual é o futuro do teatro?

Enquanto a morte existir, haverá teatro.

O teatro é uma ação política? Por quê?

O teatro é o campo de experienciação de outras possibilidades de vida. Mais que qualquer discurso panfletário, analítico ou acusatório, compreendi que esta era a verdadeira maneira de configurar um teatro profundamente político. O grande ato político, o mais potente, não é retratar o mundo, mas reconstruí-lo completamente, através da materialização de outra humanidade possível, que nos leve a questionar, na base, o modo como pensamos, sentimos, vivemos.

Quando a estética se destaca mais do que o texto e os atores?

Forma e conteúdo são indissociáveis. A forma de uma peça é o seu próprio conteúdo.

Qual encenação lhe vem à memória agora? Alguma cena específica?

A cena final de “Ode to the Man Who Kneels”, texto e direção de Richard Maxwell, apresentada no FIT de São José do Rio Preto, em julho de 2010. Mítica e banal; simples e altamente complexa; cômica e trágica, tudo isso ao mesmo tempo. Instabilidade permanente, trânsito e amálgama de instâncias aparentemente inconciliáveis, gerando uma experiência estética inclassificável.

Em sua biblioteca não podem faltar quais peças de teatro?

A obra completa de Harold Pinter.

Cite um diretor (a), um autor (a) e um ator/atriz que você admira.

Claude Régy (diretor); Sarah Kane (dramaturga); Juliana Galdino (atriz). Todos eles colocam o teatro em um lugar impossível, bordejando o abstrato de modo empírico.

Qual o papel da sua vida?

Não sou ator, mas uma personagem que me obceca, como artista e como ser humano, é o Pinóquio, de Carlo Collodi. Uma criatura que quer se tornar outra coisa, um ser em constante hibridação, norteado pela ideia de que é pela desobediência que podemos configurar nossa humanidade.

Uma pergunta para William Shakespeare, Nelson Rodrigues, Bertold Brecht ou algum outro autor ou personalidade teatral que você admire.

Para Nelson Rodrigues: O senhor tem noção de que sua obra configura um dos sistemas dramáticos mais poderosos jamais criados em toda a história do teatro?

O teatro está vivo?

O teatro vive hoje um dos maiores momentos de sua história, um autêntico renascimento, graças à reinvenção de suas formas perpetrada, sobretudo, pelos dramaturgos contemporâneos. O grande desafio para a dramaturgia, hoje, é problematizar a ideia de trama, de conflito, de personagem (esteios do drama tradicional, ligados ideologicamente a uma visão hegemônica acerca da condição humana), e, promovendo o desenvolvimento de obras com outras bases, conseguir fazer com que estas se tensionem, criem ruídos, deslocamentos, desdobramentos, em suma: fiquem de pé, proporcionando experiências estéticas inaugurais que ampliem nossas vivências, conduzindo-nos em venturas desconhecidas.

SP Escola de Teatro - Centro de Formação das Artes do Palco

14/02/2011

Indicação ao Prêmio Shell

2011-01-24T09:23:00.000-08:00

Tríptico [Richard Maxwell]: Burger King/Casa/O Fim da Realidade (direção de Roberto Alvim) é indicado ao prêmio Shell na categoria Prêmio Especial.

O espetáculo H.A.M.L.E.T. (direção de Juliana Galdino) também tem sua indicação na categoria iluminação.

Abertas as inscrições para a Oficina Prática de Montagem - Paralela Noir III

2011-01-18T12:47:00.001-08:00

*Clique na imagem para aumentar.

H.A.M.L.E.T na lista das 10 melhores peças do Brasil pelo site Yahoo

2011-01-18T12:44:00.001-08:00

Cena de H.AM.L.E.T. Foto de Silmara Elis

Do site: http://br.noticias.yahoo.com/s/31122010/11/entretenimento-teatro-15-melhores-espetaculos-ano.html

"...

H.A.M.L.E.T. (Juliana Galdino) - O casal à frente do interessantíssimo Club Noir trocou posições e a atriz estreou com ousadia na direção de uma ótima releitura contemporânea de Roberto Alvim (diretor oficial do grupo) para a obra-prima de Shakespeare.

..."

Montagens ambiciosas desbravam clássicos. O Estado de São Paulo

2011-01-18T12:38:00.001-08:00

Cena de O Fim da Realidade. Foto de Bob Souza

Do site: http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20101228/not_imp658815,0.php

"...

Queridinho da cena off-off Broadway, Maxwell exibe uma linguagem muito particular - tão contundente quanto anódina, tão violenta quanto monocórdia. Em suas encenações, Alvim teve êxito não só em evidenciar essa dicção do dramaturgo, na contramão das tradições do realismo, como também em reafirmar sua assinatura minimalista. Quem já conhecia sua partitura cênica pôde reencontrar burilados traços - como a luz rarefeita que lhe é característica, a lentidão na elocução, a aura de irrealidade - que o tornam um dos poucos descendentes da nobre linhagem de Claude Règy entre nós.

..."

Tríptico [Richard Maxwell] é apontada como a melhor estréia de 2010 pelos críticos da folha.

2011-01-18T12:34:00.000-08:00

O QUARTO, de Club Noir está entre as dez melhores produções teatrais da década pela revista Bravo!

2011-01-18T12:28:00.000-08:00

Do site:http://bravonline.abril.com.br/conteudo/teatroedanca/melhor-teatro-seculo-21-613861.shtml

O teatro de penumbra, com iluminação escassa e a ênfase no texto, de Roberto Alvim e sua peça O Quarto ficaram com a quarta posição na lista. A encenação, que levou o prêmio de melhor espetáculo no Prêmio BRAVO! Bradesco Prime de Cultura em 2009, é baseada no texto do autor inglês Harold Pinter (1930-2008), ganhador do Nobel de Literatura em 2005.

O diretor Roberto Alvim recebe o Prêmio BRAVO! Bradesco Prime de Cultura em 2009, por O Quarto.

Tríptico: Últimas semanas do ano

2010-12-11T05:22:00.001-08:00

"Comunicação a uma academia" no 13º Festival Recife de Teatro Nacional

2010-11-23T04:14:00.000-08:00

A capital pernambucana sedia uma maratona de artes cênicas a partir da próxima semana com o 13º Festival Recife do Teatro Nacional. A programação inclui 14 espetáculos espalhados em quatro teatros municipais (Santa Isabel, Apolo, Hermilo, Barreto Júnior) e mais o Nascedouro de Peixinhos. Trazendo como tema Tradição e ruptura na cena contemporânea, o evento acontece de 17 a 29 de novembro.

24 e 25 de Novembro.

Teatro Barreto Júnior

20h – Espetáculo – Comunicação a uma academia (SP)

Grupo – CIA: Club Noir

Duração: 50 min.

Classificação: 16 anos

Club Noir realiza leitura Dramática no CCBB

2010-11-23T04:09:00.000-08:00

Radiografia Cultural: Periferia e Underground em SP | Teatro e Vanguarda

O projeto, que acontece até dezembro, neste mês tem como tema o Teatro e Vanguarda. Grupos teatrais, oriundos da periferia e do centro, vem conquistando cada vez mais espaço junto à mídia e ao público, caso da Brava Companhia e do Club Noir. Qual a contribuição desses coletivos para a cena contemporânea? Diversas questões são colocadas em debate com o público neste encontro.

PROGRAMAÇÃO

• 13h | Apresentação da Brava Companhia

• 18h | Apresentação do Club Noir: "ANTRÔ" - Episódio 1: A MAÇÃ

Texto: Marco Albuquerque, Marcos César Duarte e Sheila Train. Direção de Roberto Alvin

• De 19h30 às 21h30 | Debate com o diretor Fábio Resende, da Brava Companhia, o diretor e dramaturgo Roberto Alvim, do Club Noir. Mediação do diretor e pesquisador teatral Fernando Kinas.

Tríptico volta em cartaz nesse fim de semana

2010-11-05T05:01:00.000-07:00

Neste final de semana o espetáculo Tríptico [Richard Maxwell]: Burger King/Casa/O Fim da Realidade volta aos palcos da sede da Cia Club Noir.

Cena de O Fim da Realidade

Clique aqui e confira a entrevista do autor norte americano Richard Maxwel

TRÍPTICO

QUANDO sex., às 21h ("Burger King"), sáb., às 21h h ("Casa"), e dom., às 20h ("O Fim da Realidade"); até 26/9

ONDE Club Noir (r. Augusta, 331, tel. 0/xx/11/ 3255-8448)

QUANTO R$ 10

CLASSIFICAÇÃO 16 anos

Roberto Alvim fala sobre o espetáculo Comunicação a uma Academia

2010-10-04T13:20:00.001-07:00

Tríptico [Richard Maxwell]. Fotos de Edson Kumasaka

2010-09-30T07:26:00.000-07:00

Tríptico [Richard Maxwell]: BURGER KING/ CASA/ O FIM DA REALIDADE

direção de roberto alvim

com: juliana galdino, renato forner, kenan bernardes, janaína afhonso, rodrigo pavon, anapaula csernick, ricardo grasson, danielle cabral, josé geraldo jr. e katiana rangel

Florianópolis recebe o espetáculo Comunicação a uma Academia

2010-09-28T05:40:00.000-07:00

Do site: http://deolhonailha.com.br/florianopolis/noticias/noticia.php?id=11194&layout=1

Projeto idealizado pelo Club Noir com texto de Franz Kafka chega a capital selecionado pelo Programa BR de Cultura 2009/2010

Depois do sucesso de público e crítica em sua temporada no Projeto Vitrine Cultural2009 (do Centro Cultural Silvio Santos em SP), no FIT (Festival Internacional de Teatro) de São José do Rio Preto, no FIAC BAHIA, na Mostra de Teatro de Uberlândia, no Espaço Mosaico em Brasília, no SESC Santo André, no TEMPO FESTIVAL RJ e em temporada no Teatro do CLUB NOIR, a peça Comunicação a uma Academia, texto de Franz Kafka, direção de Roberto Alvim, com a atriz Juliana Galdino e com José Geraldo Jr., se apresenta dias 01, 02 e 03 de outubro em Florianópolis no Teatro da UFSC. Este projeto foi contemplado pelo PROGRAMA BR DE CULTURA2009/2010 para circular por cinco capitais do Brasil (Goiânia, Florianópolis, Porto Alegre, Curitiba e Vitória.)

Tríptico é indicado ao Prêmio Bravo! de Melhor Espetáculo.

2010-09-21T13:26:00.000-07:00

TRÍPTICO [Richard Maxwell]: BURGER KING/ CASA/ O FIM DA REALIDADE, está concorrendo ao Prêmio Bravo! Prime de Cultura 2010 na categoria MELHOR ESPETÁCULO

Última semana

2010-09-20T13:57:00.000-07:00

Os espetáculos que compõem o TRÍPTICO [RICHARD MAXWELL]: BURGER KING/CASA/O FIM DA REALIDAE terá sua primeira temporada encerrada no próximo dia 26 de Setembro.

BURGER KING, Sexta, às 21h

CASA, Sábado, às 21h

O FIM DA REALIDADE, Domingo, às 20h.

Ingressos: R$10,00 (inteira)

*Espetáculo contemplado pelo Prêmio Funarte de Teatro Myrian Muniz

D ES M E M B R ACÃO. À partir de 21 de Setembro no Club Noir

2010-09-20T13:47:00.000-07:00

Club Noir apresenta a primeira série individual de fotografias de Julieta Bacchin, D ES M E M B R AÇÃO em exposição à partir de Terça feira, 21/09.

Teatro aberto para as poéticas da contemporaneidade 2

2010-09-10T07:00:00.000-07:00

Terceiro dia de leituras dos textos criados pelos autores no Estúdio de Criação Dramatúrgica: Cândida (de Guilherme Marinheiro), Aversão (de Fábio D'Arrochela) e O Pulo do Gato (de Natália Zucalla). A programação continua nos dia 14, 15, e 16 de Setembro. Sempre às 20h.

Teatro aberto para as poéticas da contemporaneidade

2010-09-09T06:59:00.000-07:00

Desde o dia 7 deste mês, o Club Noir realiza leituras dos textos produzidos no Estúdio de Criação Dramatúrgica, realizado com o Prêmio FUNARTE de Teatro Myrian Muniz.

A programação estende-se durante os dias 9, 14, 15 e 16 de Setembro. Entrada Franca.

Richard Maxwell e Roberto Alvim

2010-09-09T06:16:00.000-07:00

O encontro dos diretores e dramaturgos aconteceu no FIT (São José do Rio Preto) onde Roberto Alvim foi curador. Richard Maxwell e sua Cia (New York City Players) trouxeram para o Brasil o espetáculo "Ode ao homem que se ajoelha".

Atualmente, a Cia Club Noir está em cartaz com três peças de Richard Maxwell. As obras compõem o TRÍPTICO [RICHARD MAXWELL]: BURGER KING/ CASA/ O FIM DA REALIDADE.

Club Noir realiza ciclo de leituras dramáticas.

2010-09-06T14:30:00.000-07:00

Dias 7, 8, 9, 14, 15, 16 de setembro o CLUB NOIR realiza um ciclo de Leituras Dramáticas. Por dia serão lidas 3 novas obras de autores da Oficina de Dramaturgia do Club Noir.

Entrada Franca!

Início: 20h.

Lotação:46 lugares.

Tríptico no blog Cacilda.

2010-09-06T13:45:00.000-07:00

Confira todas as fotos de Lenise Pinheiro no blog Cacilda:

O FIM DA REALIDADE

BURGER KING

CASA

Confira o "Papo de Teatro", do Portal Sp Escola de Teatro, com a dramaturga e jornalista Gabriela Mellão.

2010-08-28T08:22:00.001-07:00

Do site:
http://www.spescoladeteatro.org.br/papo_de_teatro/04.php

Como surgiu o seu amor pelo teatro?
Meu amor por teatro foi um amor tardio. Minha introdução nesta arte eu devo a uma temporada em Paris, em 2000. Até então, por incrível que pareça, não havia descoberto a magia do teatro. Pensava que meu caminho seria a literatura. Estudei Cultura e Civilização Francesa na Sorbonne por cerca de um ano, e lembro-me de ficar hipnotizada nas aulas de teatro. Também me recordo de adentrar os pequenos teatros da cidade, noite após noite, tomada pelo novo mundo que se abria para mim, encantada com a força e magia de cada espetáculo, mesmo quando a língua atrapalhava o entendimento. Desde o início, fui conduzida pelo aspecto sensorial desta arte. Os climas, os estranhamentos e as possibilidades do teatro contemporâneo me fisgaram. Vi uma avalanche de peças, a maioria em palcos desconhecidos dos próprios parisienses.

Lembra da primeira peça que assistiu? Como foi?
Minha memória não é das melhores. Lembro-me de espetáculos circenses na infância, uma outra recordação marcante foi “Cats” e, quando eu já estava mais ‘madura’, “As Três Irmãs”, de Tchecov. Espetáculos que não poderiam ser mais diferentes, mas que me marcaram igualmente.

Qual foi a última montagem que você viu?
“As Folhas de Cedro”, de Samir Yazbeck.

Um espetáculo que mudou o seu modo de ver o teatro.
“O Quarto”, montagem de Roberto Alvim para o texto de Harold Pinter.

Um espetáculo que mudou a sua vida.
“Rose Tatoo”, de Tenessee Williams. Foi saindo desta peça – da qual nem gostei tanto assim – que eu resolvi estudar dramaturgia e história do teatro em Boston.

Você teve algum padrinho no teatro? Se sim, quem?
Tive sim, Alberto Guzik, que foi um anjo na minha vida e me deu o presente mais valioso que eu já ganhei: escreveu o prefácio do meu livro; E o Ivam Cabral, organizador da coleção Primeiras Obras, na qual minhas peças foram publicadas, e quem, ao lado do Rodolfo García Vázquez , deu a maior força na minha estreia no teatro – “A História Dela”, meu primeiro texto encenado, estreou nos Satyros graças a eles.

Já saiu no meio de um espetáculo? Por quê?
É horrível, desrespeitoso e tal, mas já. O espetáculo era uma comédia tão ruim que chegava a ser constrangedor.

Teatro ou cinema? Por quê?
Teatro, claro. Mas são artes tão diferentes. Cinema eu adoro, vou para relaxar. Teatro não me descansa, pelo contrário, estimula, questiona, inquieta. Exige tanto do espectador intelectualmente, até sua postura na cadeira fica mais ereta.

Cite um espetáculo do qual você gostaria de ter participado. E por quê?
Já vi muitas peças cujos textos me tocaram de tal forma, e tão intimamente, que me deram ter vontade de tê-los escritos: “Inocência”, de Dea Loher, e “A Refeição”, de Newton Moreno, são dois exemplos que me vêm à memória agora.

Já assistiu mais de uma vez a um mesmo espetáculo? E Por quê?
Já, para perceber outros aspectos da obra, me liberar da racionalidade e acessar camadas mais profundas.

Qual dramaturgo brasileiro você mais gosta? E estrangeiro? Explique.
Newton Moreno e Grace Passô. O primeiro por estabelecer um diálogo único entre a tradição nordestina e cosmopolitismo. A Grace por sua busca constante em rever códigos do teatro e fazer uso da metáfora para deslocar a ordem. Dos estrangeiros, me sinto atraída especialmente por Valere Novarina e Jon Fosse, ambos autores que trabalham a linguagem de forma absolutamente inovadora, mostrando que há camadas de significado ocultas nas palavras.

Qual companhia brasileira você mais admira?
Club Noir.

Existe um grupo ou companhia de teatro que você acompanhe todos os trabalhos?
A maioria, cito alguns: Club Noir, Os Satyros, Grupo Espanca!...

Qual gênero teatral você mais aprecia?
Drama.

Qual lugar da plateia você costuma sentar? Por quê?
Gosto de sentar bem na frente para poder ver a gota do suor escorrer pelo rosto do ator.

Fale sobre o melhor e o pior espaço teatral que você já foi ou já trabalhou?
Só não gosto de ver espetáculo intimista em um teatro de 500 lugares, o que acontece em alguns festivais.

Já assistiu a alguma peça documentada em vídeo? O que acha do formato?
Já, acho que a magia do teatro depende da energia que é produzida entre a plateia e os atores no momento em que o espetáculo acontece.

Existe peça ruim ou o encenador é que se equivocou?
Algumas comédias, nem com o mais talentoso dos encenadores!

Como seria, onde se passaria e com quem seria o espetáculo dos seus sonhos?
Ai, que difícil! Se eu conseguir encenar meus projetos do jeito que eles estão concebidos, já será um sonho!

Cite um cenário surpreendente.
“Cinema”, de Felipe Hirsch, ao criar no palco um espelho da plateia.

Cite uma iluminação surpreendente.
Rodolfo García Vázquez em “Inocência”.

Cite um ator que surpreendeu suas expectativas.
Juliana Galdino sempre surpreende. Beth Goulart também me su
rpreendeu em “Simplesmente Eu, Clarice Lispector”. Senti uma magia em cena como poucas vezes havia presenciado. Ivam Cabral em “Divinas Palavras”. Lee Thaylor em “A Falecida”. Luiz Paetow em “Abracadabra”. E muitos outros.

O que não é teatro?
Teatro filmado não é teatro. De resto, muita coisa é, inclusive nos relacionamentos da vida real.

Que texto você foi ler depois de ter assistido a sua encenação?
Acho que o último que eu li foi “A Inquietude”, de Valere Novarina. Gosto muito de ler o texto antes ou depois de ver a encenação.

A ideia de que tudo é válido na arte cabe no teatro?
Tudo depende, mas, por que não?

Na era da tecnologia, qual é o futuro do teatro?
Continuar sendo um refúgio para o homem se sentir humano.

O teatro é uma ação política? Por quê?
Sempre é, até quando não trata de política. Porque o teatro te faz refletir sobre a vida e o mundo.

Quando a estética se destaca mais do que o texto e os atores?
Nas peças de Bob Wilson, por exemplo.

Qual encenação lhe vem à memória agora? Alguma cena específica?
“Os Cegos”, obra-prima de um dos principais nomes do teatro simbolista do início do século XX, Maurice Maeterlinck, encenada pelo canadense Denis Marleau – que esteve no FIT Rio Preto deste ano e se apresentou recentemente no Sesc Pinheiros, em SP. A peça discute a falta de percepção da humanidade de maneira absolutamente original. Através de projeções em máscaras, elimina o intérprete do palco sem que o espectador se dê conta disso. Desta forma, abala os alicerces de “Os Cegos” e do próprio teatro.

Em sua biblioteca não podem faltar quais peças de teatro?
Todas! Gosto de ter as obras na estante e mergulhar nelas quando vou vê-las no palco.

Cite um diretor (a), um autor (a) e um ator/atriz que você admira.
Roberto Alvim. O homem que mais me ensinou sobre teatro contemporâneo, que é também um dos mais talentosos encenadores da nova geração.

Qual o papel da sua vida?
Um que me faça aprender cada vez mais e alimente sempre minha alma com a energia mágica que o teatro é capaz de produzir.

Uma pergunta para William Shakespeare, Nelson Rodrigues, Bertold Brecht ou algum outro autor ou personalidade teatral que você admire.
O que move suas entranhas?

O teatro está vivo?
Para quem vive do teatro como eu, está vivo e com ótima saúde. Para os que desconhecem a magia e o poder transformador do teatro ele é uma arte moribunda.

ESTÚDIO DE CRIAÇÃO DRAMATÚRGICA. ESTRATÉGIAS DE CONSTRUÇÃO NA DRAMATURGIA CONTEMPORÂNEA

2010-08-12T14:19:00.000-07:00

A oficina (ministrada por Roberto Alvim) é um espaço para novos autores, dedicado à análise das obras de grandes dramaturgos da contemporaneidade, assim como à escritura de novas peças de teatro. O objetivo é que cada um dos participantes desenvolva um texto original, que será constantemente submetido a críticas, sugestões, perguntas e orientações por parte do professor.

O processo visa proporcionar amadurecimento e solidez às obras, permitindo ao aluno a descoberta e o desenvolvimento de sua voz como autor.

Mais informações no site http://www.obarco.com.br/cursos/artes-cenicas/dramaturgia-roberto-alvim.html

Prêmio Arquitetura &Construção". O Melhor da Arquitetura

2010-08-10T14:23:00.000-07:00

"Gente amiga, abaixo o link pra votar no nosso querido CLUB NOIR. Não é por nada , mas os arquitetos são realmente incríveis e super gente boa... toparam um lance que NINGUÉM toparia. É quase até mais por eles...mas é por nós também! PLEASE!!!! de ♥.

valeu! JU"

http://appcasa.com.br/premio/votacao/categoria7.phpegoria7.php

Tríptico

2010-07-29T08:43:00.000-07:00

Do site: http://m.estadao.com.br/noticias/impresso,mobile,585987.htm

Projeto estético ainda privilegia apenas o exercício de estilo
Quinta, 26 de Julho de 2010, 00h00
Análise: Jefferson Del Rios/ ESTADO DE SÃO PAULO

Uma lanchonete especializada em hambúrguer onde os funcionários são enquadrados na impessoalidade de robôs; a família suburbana petrificada na rotina até que um crime acontece; uma sala de segurança de uma empresa que também pode ser um presídio. Três enredos, de aproximadamente 45 minutos cada um, formam Tríptico, do grupo Club Noir, dirigido por Roberto Alvim. É possível assistir às peças isoladamente, mas o conjunto pretende ser o painel da desesperançada condição humana na atualidade. O dramaturgo norte-americano Richard Maxwell procura dizer que tudo vai mal à vida das pessoas, sem apontar diretamente os motivos ou localizá-los com precisão. A crítica social passa por uma espécie de desolação cósmica em um mundo de trevas pré Fiat Lux do velho Testamento. Maxwell acende o pálido néon do Burger King e anuncia o fim de jogo. Nenhum Godot virá. Os textos, um deles significativamente intitulado O Fim da Realidade, receberam na montagem paulistana um extremado tratamento anti- ilusionista e antipsicologizante. Estamos diante de metáforas visuais que evitam até o encanto dos rostos humanos ao vivo, os olhares. Dispensam a poderosa máscara dramática da atriz Juliana Galdino, usando mais sua maestria vocal, o que também acontece com os demais bons intérpretes. As cenas são em negativo, escuras e emolduras por claridade lateral ou de fundo. Caso se busque referência externa se chegará à pintura surrealista ou aos quadros de Hooper e, muito, às histórias em quadrinhos. O Club Noir leva seu nome ao limite no projeto estético que privilegia o exercício de estilo. O conteúdo da obra, nesse caso, passa ao segundo plano diante da forma, quando o público precisa decifrar contornos na obscuridade do palco.Recortes com vozes. Pode-se argumentar que é, exatamente, um meio de se reforçar um texto, mas ele se esfria em jogos verbais sincopados, sem nuances, enigmáticos, mas previsíveis a partir de determinado momento. Instaura-se assim a primazia do game eletrônico ou graphic novel. Geometria humana com falas brancas, gritos súbitos e apagões da cena. Em seguida, tudo recomeça. O elenco tem impecável domínio da verbalização que vai da linearidade do canto gregoriano aos estampidos verbais. É engenhoso, tem maestria, mas o abstrato perde o mistério presente, por exemplo, na aridez de Beckett ou Kafka. A engrenagem cênica substitui a dimensão metafísica e política. A encenação se sobrepõe ao "pesadelo refrigerado", expressão do escritor Henry Miller ao reencontrar a América depois de anos de Europa. É contraditório porque temos o espetáculo sólido, mas não o que o programa de Tríptico oferece como "aspectos terríveis da contemporaneidade" com "personagens e situações que, em tons monótonos e inabaláveis desdramatizam e desconstroem nossa suposta normalidade, expondo claustrofóbicos mecanismos sociais de controle". Esses elementos estão parcialmente em cena, mas sem provocar uma revelação maior. Talvez valha a pena tomar cuidado com a monotonia de Maxwell ou de qualquer outro. Mesmo assim, algo vibra internamente no espetáculo. As inquietações de Roberto Alvim, Juliana Galdino e companheiros insinuam que estão atrás de "estranha beleza" para desequilibrar o teatro previsível. Não custa sonhar que ela venha com mais claridade. Nos seus cinco anos, o Club Noir tem caminhado em meio às tentações da vanguarda como mera atitude. Vale a pena acompanhá-lo.

Entrevista com Richard Maxwell

2010-07-27T06:11:00.000-07:00

Do site: http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20100726/not_imp585979,0.php
Fora da nova ordem mundial
Um dos nomes mais radicais da cena contemporânea, o norte-americano Richard Maxwell recusa os novos recursos multimídias e inaugura um 'drama não-dramático'

Maria Eugênia de Menezes - O Estado de S.Paulo
O norte-americano Richard Maxwell não diz exatamente aquilo que se espera ouvir de um "homem" de teatro: confessa que não consegue dialogar com Shakespeare, compara sua obra ao punk rock e conta que se importa, sim, com o que os críticos comentam sobre seu trabalho.

Saudado como um dos mais instigantes nomes da dramaturgia contemporânea, o diretor da companhia New York City Players esteve no Brasil na semana passada para participar do Festival Internacional de São José do Rio Preto. Com ingressos esgotados para as seis sessões, seu espetáculo Ode ao Homem que se Ajoelha foi uma das grandes apostas da programação, que terminou anteontem, e surpreendeu o público ao apresentar cenas de um realismo absolutamente antirrealista e subverter gêneros canônicos de seu país, como o faroeste e o musical. Na entrevista a seguir, Maxwell conversou, a pedido do Estado, com o diretor Roberto Alvim, curador do FIT e responsável pela montagem de três textos do autor, em São Paulo.

Roberto Alvim: Se compararmos as peças do começo de sua carreira com as últimas, percebemos procedimentos muito diferentes. Como você vê o desenvolvimento da sua dramaturgia?

Richard Maxwell - Acho que a transformação definitiva se dá com o 11 de Setembro, é isso que muda os meus procedimentos. De repente, eu tenho tanta coisa a dizer e não fico mais satisfeito com o silêncio.

Alvim: Neste último espetáculo, Ode ao Homem que se Ajoelha, você sinaliza uma série de alterações de tempo e espaço apenas com a maneira como usa a linguagem. É como se você se apropriasse de uma lógica mais próxima da poesia do que da prosa, que é uma lógica linear. Você vê esse movimento?

Maxwell: Na verdade, eu penso em música enquanto escrevo. Alguma coisa que fala ao coração. Tento ser específico com aquilo que estou sentindo, mas não acho que tenho necessidade de explicar isso. Porque, na maioria das vezes, quando você explica muito uma coisa, o mistério desaparece.

Alvim: Você vem de um país onde existe um método hegemônico de direção de atores, do Actors Studio, e você trabalha em uma direção contrária a esse método.

Maxwell: Acho que o método de direção de atores que predomina hoje nos EUA não tem muito a ver com essa ideia de transe ou da incorporação de um personagem. Isso se transformou em algo muito mais pragmático, muito mais próximo da lógica da indústria. A indústria quer que você finja, eles acham que representar é necessário para se contar uma história, e eu, não. Eu digo aos atores: você não tem de representar. Só tem que viver a situação de interpretar uma peça para uma plateia.

Alvim: Seu país tem uma larga tradição em musicais. E você trabalha sempre ou quase sempre com músicas. Como usa as canções nos seus espetáculos?

Maxwell: Quero saber como o teatro pode tirar vantagem daquilo que só o teatro pode oferecer. O que não tem relação com esse pastiche do teatro multimídia contemporâneo. Eu não tenho nada a ver com isso. Quero recuperar o impulso primeiro de se contar uma história da maneira mais básica. Quando falo com os atores, não estou falando de psicologia, mas de ritmo, a linguagem já é musical.

Alvim: O seu trabalho dialoga com quais autores?

Maxwell: Eu não posso responder a Shakespeare, não está em mim. Está muito distante de quem eu sou: um cara do Meio-Oeste americano. Esses autores que surgiram nos anos 1960, como Harold Pinter e Joe Orton, me dizem mais.

Alvim: Seu material temático é amplo. Pode ser uma estação de segurança, uma casa no subúrbio, faroestes, Idade Média. Como escolhe temas tão distintos?

Maxwell: O importante num trabalho é manter uma atitude de aprendiz. Eu não sei nada, sabe? Sei que estou o tempo todo perdendo informações. E isso me dá um sentimento de desespero. Quando o conhecimento se torna fixo e você se comporta como se estivesse ensinado alguma coisa ao público, isso deixa de ser interessante.

Alvim: Neste começo de século vivemos crises no espectro político e social. Como você se coloca como artista nesse contexto, qual a sua contribuição para o teatro neste momento?

Maxwell: Espero ter algum impacto formal no que está acontecendo. Porque você pode ter um teatro político, um teatro, por exemplo, que fale do sofrimento em Guantánamo, e isso é válido. Mas uma coisa que não vejo ser questionada é o jeito como o entretenimento é automático. Ninguém está falando sobre a forma, sobre o jeito como uma história pode ser contada. Você me perguntou sobre influências. O punk rock - a atitude de ter alguém que mal sabe tocar um instrumento em cima de um palco, fazendo música com o coração dela_ isso me parece importante, isso me move. O que aconteceu no punk é formal. E é isso que eu acho que as pessoas podem tirar do que eu estou fazendo.

TRÍPTICO

Burger King
A peça vale-se da rotina de uma rede de hambúrgueres para analisar os mecanismos de controle da sociedade contemporânea

Casa
De forma crua e sintética, mostra o assassinato do pai de uma família suburbana e alienada por um desconhecido

O Fim da Realidade
Em um grande edifício, um homem, trajado como guarda, ataca os outros seguranças de forma indiferenciada

7 AUTORES, 7 DIRETORES, 7 ENCONTROS.

2010-07-27T06:05:00.000-07:00

‎"Amor" é o tema do quarto ano do ciclo 7 Autores, 7 Diretores, 7 Encontros, de maio a novembro. A leitura do mês de julho será do texto "Ligações Perigosas", de Chordelos de Laclos, com direção de Roberto Alvim. Coordenação geral de Eugênia Tereza de Andrade. Teatro Anchieta.
Com Juliana Galdino, Marat Desc...artes, José Geraldo Jr, Janaína Afhonso, Karine Carvalho, Júlia Novaes, Ricardo Grasson, Rodrigo Pavoon e Anapaula Csernick

2010-07-21T11:15:00.000-07:00

H.A.M.L.E.T - fotos de Bob Souza

2010-07-21T06:38:00.000-07:00

Teatro: Tríptico

2010-07-14T15:30:00.000-07:00

Do site: http://www.revistastravaganza.com.br/index.php?option=com_content&view=article&id=186

EDIGAR OLIMPIO DE SOUZA

Pode-se não curtir ou até gostar demais do espetáculo da Cia Club Noir, mas o fato é que não dá para ficar indiferente. O dramaturgo norte-americano Richard Maxwell, cuja obra experimental incomoda quem gosta de texto linear, tem predileção pela ruptura da tradição. Por sua vez o diretor Roberto Alvim não se submete ao chamado teatro convencional e investe na subversão da convenção. A montagem, que funde ambas as propostas, é para quem se dispõe a enfrentar desafios. Com uma estética que prioriza a força da palavra, a imobilidade dos atores, a demolição do tempo e espaço e a penumbra na cena, Alvim não facilita a fruição do público. O diretor é tão apegado à sua pesquisa formal que não está errado afirmar que qualquer texto acaba diluído numa espécie de chassi cênico. Quem viu O Quarto, de Harold Pinter, Homem sem Rumo, de Arne Lygre, e Comunicação à Uma Academia, de Franz Kafka, autores e enredos tão distintos, observou um exercício caracterizado pela indistinção estética. A impressão é a de que quem viu um viu todos. Cabe ressalvar que a obra provocativa de Maxwell parece coabitar sem ruídos o teatro provocador de Alvim. As três peças reunidas, de tramas aparentemente banais e encenadas em dias alternados, embutem discussões tão contemporâneas quanto profundamente desconfortáveis. Em Burger King, o ambiente de uma franquia da rede de hambúrgueres funciona como uma escola de desumanização e impessoalidade, que iguala tudo e todos. Casa expõe o processo de banalização das relações em uma família classe média. Apatia, passividade e a ânsia por uma crença pontuam o comportamento dos agentes de seguranças de uma empresa em O Fim da Realidade.

Em todos os casos, além da percepção dos mecanismos de controle social e da influência de Beckett, o que sobressai é um retrato cru, absurdo, cínico e violento de uma sociedade que aliena e se alienou. Um documento sensível, mas amargo, da trágica época em que vivemos. Tudo mostrado sem traumas e sofrimentos, de forma inacreditavelmente corriqueira. Os personagens até falam uns com os outros, riem e discutem, quase sempre seguindo uma partitura de poucas notas e inflexões. No entanto, em ironia seca, precem mais falar de e para si. Por momentos, chegam a cantarolar letras paródicas. Nota-se um desespero sutil por uma busca de identidade perdida. Com mínima interação física, rigoroso trabalho vocal do elenco, pouco investimento emocional, silêncios e pausas, a encenação trata de romper clichês previsíveis e tonificar a atmosfera de monotonia. O tédio, porém, faz parte do jogo do autor e diretor, mas não domina o ambiente por conta da curta duração de cada espetáculo (máximo de 45 minutos). A repetição obsessiva de procedimentos já vistos em outros trabalhos do grupo, diga-se, não significa redundância. É uma tentativa, parcialmente eficiente, de criar novos significados. Desdramatizada, minimalista e de forte assinatura, as três montagens requerem comprometimento e curiosidade do público para o risco, além de algum esforço de compreensão. A iluminação fria e rarefeita, que tem como contrapartida o aviltamento da máscara facial, torna-se uma estratégia - a parte não vista deve ser concluída pelo espectador. Curiosamente os personagens se apresentam por inteiro, mas sabemos pouco deles ao final. Potencializado por uma encenação escassa e dura, Maxwell faz uma radiografia cruel desse admirável mundo novo, em que todos vêem com estranheza o seu semelhante.

"Tríptico" indica com vigor os caminhos futuros do teatro

2010-07-12T13:12:00.000-07:00

Do site: http://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/fq1007201013.htm

CRÍTICA DRAMA

LUIZ FERNANDO RAMOS
CRÍTICO DA FOLHA

Dramas não dramáticos para reinventar o teatro. As peças de Richard Maxwell que integram a série de espetáculos "Tríptico" convergem com o projeto que Roberto Alvim desenvolve desde 2008 no seu Club Noir.
Ambos os artistas têm em comum, além de serem dramaturgos e encenadores, a recusa a uma teatralidade convencional.
Maxwell é hoje, talvez, o mais radical dramaturgo norte-americano e um dos mais inventivos do mundo. Com sua companhia, a New York City Players, já encenou em diversos países 18 de seus textos, desde 1996.
Na contramão da tradição dramática que quer reproduzir a vida real no palco, ele crê que a realidade da cena é insubstituível. Ou seja, o que é real é a encenação.
Alvim compartilha essa curiosidade pelas potências ignotas da cena. Nos seus últimos trabalhos já vinha utilizando, por exemplo, cada vez menos luz e movimento.
Agora, com essas três peças, ele avança nessa investigação, respondendo ao sistema dramatúrgico desenvolvido por Maxwell com um modelo próprio e característico de encenar.
As montagens podem ser assistidas em qualquer ordem, mas têm em comum uma combinação de opacidade dramática e verticalidade dos conteúdos que emanam dos textos.
No primeiro, "Burger King", o ambiente é uma lanchonete; no segundo, "Casa", um núcleo familiar de classe média; e no terceiro, "O Fim da Realidade", uma empresa de segurança.
Nos três casos, esses universos habitualmente tratados dramaticamente com clichês e personagens rasos, reaparecem transfigurados, revelando relações densas que os padrões de tratamento do realismo psicológico jamais alcançariam.
Essa característica da dramaturgia de Maxwell -como um Beckett que, abandonando as abstrações, voltasse ao cotidiano- é incorporada e amplificada pelo minimalismo da encenação de Alvim.
Uma sintaxe de poucos e nítidos movimentos com iluminação mínima e fria, alternados por escuros totais e pontuados por irônicos micromomentos musicais.
Também convergentes são os estilos de interpretação dos atores, tanto os da companhia de Maxwell como os dos espetáculos do Club Noir. Eles são, ao mesmo tempo, naturais e contidos, maquinais e intensos, sem ênfase e agudos, e cumprem rigorosa partitura, que serve ao conjunto com eficácia.
"Tríptico" não deve arrebatar as massas, mas indica com argúcia e vigor raros no panorama atual os caminhos futuros do teatro.

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TRÍPTICO

QUANDO sex., às 21h ("Burger King"), sáb., às 21h h ("Casa"), e dom., às 20h ("O Fim da Realidade"); até 26/9
ONDE Club Noir (r. Augusta, 331, tel. 0/xx/11/ 3255-8448)
QUANTO R$ 10
CLASSIFICAÇÃO 16 anos
AVALIAÇÃO ótimo

Em cartaz

2010-07-12T13:05:00.000-07:00

H.A.M.L.E.T é indicado na categoria "Iluminação" ao prêmio Shell

2010-07-12T12:51:00.000-07:00

*foto de Julieta Bacchin

O espetáculo H.A.M.L.E.T, de Roberto Alvim e direção de Juliana Galdino é um dos indicados na categoria Iluminação (Juliana Galdino e Wagner Antônio) ao prêmio Shell

“A tragédia do macaco é a nossa”

2010-05-17T17:27:00.000-07:00

Do site GAZETA DO POVO

por Luciana Romagnolli

Incumbida de interpretar um macaco e relatar à plateia como foi que se humanizou, a atriz Juliana Galdino preservava as feições femininas durante os ensaios do monólogo Comunicação a uma Academia. Até o dia em que foi posar para as fotos de divulgação e surpreendeu o diretor Roberto Alvim surgindo maquiada como o símio. A força da imagem convenceu e, quase irreconhecível, a atriz apresenta de sexta (14) a domingo (16), no Mini-Guaíra a peça que estreou no ano passado em São Paulo, e pela qual concorreu ao Prêmio Shell.
Se, em princípio, a caracterização pareceu forçada, depois passou a fazer sentido. Afinal, também na obra de Franz Kafka, o autor do conto, “a coisa mais absurda se presentifica clara e cristalina” – observa Alvim. Como a barata de A Metamorfose. “Na atuação da Juliana, você aceita esse absurdo, posto que ele está ali na sua frente”, diz o diretor, para quem esse é o melhor trabalho da carreira da artista, com quem é casado.

Uma relação de casal e com o público

A parceria criativa nunca é simples para o diretor Roberto Alvim e a atriz Juliana Galdino, por conta das diferenças fundamentais de pontos de vista entre o casal, que acabam incorporadas em espetáculos como Comunicação a uma Academia. “Sempre discutimos muito durante o processo de ensaio. As visões dela são diferentes da minha, e isso causa antagonismos”, ele conta.
Os dois, porém, encaram os enfrentamentos como algo benéfico. “Tenho uma tendência mais abstrata em relação à arte e ao ser humano. Ela tem uma visão figurativa da personagem. O meu trabalho, sem ela, acabaria entrando em terrenos muito impalpáveis”, pondera Alvim. “Esses atritos mantêm a tensão das obras, que seriam muito menos poderosas sem eles.”
Além de Juliana, há um segundo ator em cena no espetáculo que apresentam neste fim de semana no Mini-Guaíra. Mas José Geraldo Jr. permanece mudo, no papel de um vigilante. Tendo um ou mais atores no palco, Alvim sempre pensa o teatro essencialmente como um diálogo do intérprete com a plateia. “Tanto que nunca trabalho com contracenação”, explica. “Em nenhuma peça minha um ator olhou nos olhos do outro.”
Em cena, Juliana fica atenta à demanda do público: “Às vezes, o tipo de energia que se estabelece na sala faz com que ela dê uma escandida maior em alguns silêncios. Ou faz com que avance com uma rítimica mais vertiginosa. Depois de um ano com a peça, ela tem domínio para expandir ou minimizar dependendo do espaço.”
O espetáculo praticamente não parou desde a estreia, em março de 2009. Fez temporadas em São Paulo, correu o interior paulista e esteve em festivais como o de São José do Rio Preto. No fim do mês, participa do Tempo Festival, que acontece no Rio de Janeiro substituindo o extinto Riocenacontemporânea.
Já Como se Eu Fosse o Mundo, peça criada pelo diretor com o Núcleo de Dramaturgia do Sesc Paraná, não tem previsão de nova temporada por aqui, depois de ter estreado no Festival de Curitiba. Seu único destino certo, até o momento, é uma das unidades do Sesc em São Paulo.

Certamente, é o papel mais difícil já enfrentado pela atriz que saiu debaixo das asas de Antunes Filho em 2006, depois de protagonizar Antígona e duas montagens de Medeia, para com Alvim fundarem a companhia Club Noir. Não contente em ser macaco, seu personagem se metaformoseia em homem – demandando da intérprete uma postura masculina. E não bastasse a semelhança fisionômica, Juliana criou um registro de voz próprio, muito grave, baixo e com acentos ligeiramente guturais, para seu falatório autobiográfico.
“Muita gente tem esperado a hora em que ela entra em cena efetivamente ou tem convicção de que é um ator que faz o papel”, conta o diretor, ilustrando o grau de confusão que a criatura é capaz de provocar no espectador. Enquanto ela construía o personagem, coube a ele ditar as marcações e criar todo o entorno que a envolve – cenografia, iluminação e trilha sonora –, buscando um sentido minimalista até na gestualidade, reduzida para parecer mais significativa quando visível.
Alvim encara a transformação pela qual o macaco passa, imitando humanos para escapar da vida atrás das grades, como a trajetória de alguém que se torna o que não é por sobrevivência. Esforço de adaptação que obviamente não é feito apenas pelo símio: “Abandonamos a nossa singularidade e a nossa visão pessoal do mundo e acolhemos outras perspectivas, às vezes contrárias mesmo àquilo em que acreditamos, para conseguirmos sobreviver num mundo em que se tem que pertencer a algo, e a diferença, por vezes, não é bem aceita ou tolerada.” Ele conclui: “A tragédia do macaco é a nossa tragédia.”

Desvios

Recriar no palco a íntegra do conto contraria o projeto estético da companhia de montar apenas dramaturgia contemporânea – a primeiro foi Anátema, de Roberto Alvim; depois O Homem sem Rumo, do norueguês Arne Lygre; O Quarto, do inglês Harold Pinter; e, mais recentemente, Como se Eu Fosse o Mundo, do curitibano Paulo Zwolinski.
Mas o texto de Kafka se insinuou como um “convite incontornável” quando o casal abriu aleatoriamente o livro para lê-lo em casa, e se impressionou com o conteúdo, a forma como a realidade era construída através da fala, e a síntese em meras 15 páginas, tornadas 50 minutos de espetáculo.
“O texto foi se impondo e pedindo mais do que a gente podia dar, o que levou à ampliação do nosso trabalho. Esse é sempre o objetivo de entrar numa peça de teatro: não o que eu vou fazer com a peça, mas o que a peça vai fazer comigo, como eu vou estar diferente quando terminar”, opina Alvim.
Ao falar do processo de criação do espetáculo, vez ou outra o diretor diz que algo “se impôs” a ele: a caracterização de Juliana, o texto e até a maneira de encená-lo. Na sua concepção inicial, a atriz vestiria calça jeans e camisa branca, e falaria ao microfone enquanto três gigantescas antenas parabólicas desempenhariam movimentos coreografados ao fundo. A motivação era destacar o que chama de “metástase do mesmo”, uma impessoalidade que se prolifera pelos discursos mundo afora.
“Nos primeiros dias, fomos percebendo a grandeza, a complexidade e a beleza do texto, e vendo que não havia a menor condição de competir com aquilo. A questão era justamente permitir que aquele texto soe e seja compreendido”, conclui.

Serviço
Comunicação a uma Academia. Mini-Guaíra (R. Aminthas de Barros, s/nº), (41) 3232 9145. Texto de Franz Kafka. Direção de Roberto Alvim. Com Juliana Galdino e José Geraldo Jr. Dias 14 e 15 às 21 horas e dia 16 às 20 horas. R$ 10 e R$ 5 (meia). Classificação indicativa: 16 anos.

Esse final de semana em Curitiba....

2010-05-12T06:26:00.000-07:00

Curitiba recebe o espetáculo COMUNICAÇÃO A UMA ACADEMIA nos dias 14, 15 e 16 de Maio. As apresentações ocorrem no AUDITÓRIO GLAUCO FLORES SÁ DE BRITO. Espetáculo contemplado com o Programa BR de Cultura.

Próxima estréia: TRIPTICO [Richard Mawell]: BURGER KING / CASA / O FIM DA REALIDADE

2010-05-09T08:42:00.000-07:00

Oficinas 2010

2010-05-06T07:59:00.000-07:00

Tiveram início, esta semana, as oficinas de ATUAÇÃO COM FOCO NA MONTAGEM DE DRAMATURGIA CONTEMPORÂNEA (coordenadas por Juliana Galdino) e ESTÚDIO DE CRIAÇÃO DRAMATÚRGICA (coordenado por Robeto Alvim).
Este projeto foi contemplado pelo prêmio Funarte de Teatro Myriam Muniz.
Em setembro de 2010 acontecerá leituras dramatizadas com os integrantes das oficinas.

E o príncipe da Dinamarca foi parar na UTI...

2010-05-06T07:10:00.000-07:00

Do site http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20100506/not_imp547580,0.php

Crítica: César Augusto - O Estado de S.Paulo
BOM

H.A.M.L.E.T., de Roberto Alvim e direção de Juliana Galdino, no Club Noir, propõe diálogo com Hamlet Machine, de Heiner Müller e, consequentemente, Hamlet, de Shakespeare. Mas se engana quem espera um diálogo subalterno aos cânones.

A intertextualidade e a desconstrução são ferramentas já conhecidas daquilo que se convencionou chamar de pós-modernidade, seja como desdobramento ou ação iconoclasta em relação à modernidade. Se o Hamlet shakespeariano tem o vigor de quem tece a trama da própria tragédia e o Hamlet mülleriano se arrasta sobre ruínas da Europa, porque não é mais quem foi - estabelecendo através de um diálogo com os mortos uma visão crítica da realidade -, o Hamlet (Renato Forner) de Alvim e Galdino está na UTI, doente e confuso, questionando a noção de aplicação de valor. Não tem vigor, está impotente, em seu "palácio-hospital", diante da não arbitrariedade de qualquer ato, seu ou dos pares. Nesse sentido, ainda que a vida seja "O resultado do sonho / O sonho mesmo/De um outro/um sonho alheio", restam pulsões que precedem convenções. Nesse caso, Eros e Tânatos, Amor e Morte. Ainda que este Hamlet e os que o circundam estejam anestesiados, porque parecem acordar todo dia respirando por aparelho sem nem se dar conta disso, eles têm de lidar com essas pulsões o tempo todo, o que provoca nas relações entre os personagens uma tensão entre a vontade e a ação. Mesmo matando alguns dos que estão ao seu redor, inclusive depois a própria mãe, e sucumbindo ao desejo de copular com ela - o que nem chega a se realizar - numa vã tentativa de retorno ao útero, como alívio à tensão entre pulsões e convenções, não se resolve o dilema, porque este Hamlet é impotente.

Juliana, em sua primeira direção, entende o texto e segue a predileção de Alvim. Usa referências de Bob Wilson e David Linch apenas para se colocar, de acordo com a definição para desconstrução de Leyla Perrone-Moisés, "em dúvida", "em movimento", em "re-pensamento", através de uma auto-ironia paródica. Há dois momentos em que este recurso é vertical: na cena em que os atores tentam adivinhar a pergunta "qual é a questão?" e quando se pede para a plateia imaginar o horror da cena da morte do pai de Hamlet, num blackout.

Prosódia. Juliana parece propor um abismo, "a essencial novidade psíquica do poema", segundo Bachelard, em cada fonema da prosódia dos atores. Porém, se o som da palavra emitida pode provocar uma sensação qualquer na plateia, parece que, de acordo com a proposta, isto não pode ser imposto por ele. Parece que o som deve deixar espaços incompletos, preenchidos ou não, a posteriori ou imediatamente, pelo público. E isso às vezes não acontece, porque em algumas oportunidades a fala sai de maneira impositiva, subjugando os personagens e a plateia, concorrendo com a ironia e a paródia do próprio espetáculo. É provável que esse entendimento venha com o tempo. Importa menos o resultado e mais o caminho proposto.

Então, qual é a questão? O único ato de vontade possível é dar fim à própria vida? É o suicídio? Uma vez que se é refém das circunstâncias internas e externas que podem moldar a todos? Não seria o suicídio também resultado disso? O final da peça parece deixar uma fresta, uma porta entreaberta que, se não responde às questões, evoca e pede reflexão não "sobre", mas "como" é possível viver.

Na psique de Hamlet

2010-05-03T09:45:00.000-07:00

Do site http://br.noticias.yahoo.com/s/30042010/11/entretenimento-teatro-na-psique-hamlet.html
Por Luciano Mazza

(São Paulo, BR Press) - Uma das jovens atrizes de maior destaque no cenário teatral de São Paulo na última década, Juliana Galdino, estreia oficialmente como diretora à frente de sua companhia, a Club Noir, em H.A.M.L.E.T. Trata-se de uma releitura de William Shakespeare criada por Roberto Alvim, que habitualmente dirige o grupo, voltando à sua produção como dramaturgo (seu último texto foi o belo monólogo Anátema, estrelado pela diretora, em 2006).

Humano

Na clássica tragédia, escrita, possivelmente, no final século XVI, o transtornado príncipe Hamlet, do reino da Dinamarca, decide vingar seu pai - cuja vida e coroa foram usurpadas por seu tio -, levando à loucura e morte o assassino e sua própria mãe, desposada pelo algoz do marido morto.

Em sua obra-prima, o bardo inglês teceu uma trama poética e vigorosa sobre o homem e suas profundezas, usando a reflexão da sede pelo poder e vingança, como platô, para falar, também, de sentimentos e conceitos morais, como o amor, a corrupção, o incesto e, em especial, a loucura - e como ela pode ser manipulada, ardilosamente, como desabono de uma raiva e justiça legítima.

Internando Hamlet

Saindo do palácio, a versão contemporânea de Alvim transpõe a saga para o quarto de um hospital psiquiátrico. É interessante perceber como tal trânsito inverte o jogo entre os personagens: se antes, Hamlet e sua insanidade eram um ponto estranho e incômodo dentro de um ambiente opressor, estabelecido por seus inimigos dentro da casa real, agora são estas figuras que têm de entranhar-se no desconfortável universo psicótico do protagonista. Aqueles tidos como normais estão no terreno do louco - e não mais o contrário.

Quimicamente alterada, a visão a qual acompanhamos é a do personagem principal, imerso agora numa experiência lisérgica no espaço ambulatorial onde se encontra - com seus familiares e amigos transformados em médicos, pacientes e delírios.

O texto tem passagens primorosas - como a descrição de um suicídio perfeito, ao final - e funciona objetivamente como um contundente comentário crítico aos conteúdos propostos pela obra original, expondo novas e pertinentes visões e questionamentos a respeito da história e seus personagens, de forma radical e, por vezes, romanticamente idealizada.

Tal dramaturgia é o combustível ideal para a montagem carregada de simbologia e que condensa ainda mais o texto, delimitando a ação ao primordial.

Suave

A encenação de Galdino surge sintonizada com a estética e linguagem de seu grupo, mas traz uma certa suavidade formal, se comparada a trabalhos anteriores. Também aproveita muito bem o espaço - belamente iluminado -, criando imagens que transcendem a beleza plástica.

O elenco, encabeçado por Renato Forner, tem como destaques as atrizes Anapaula Csernik e Janaína Afhonso, e o ator Bruno Ribeiro. Intelectualmente rico, H.A.M.L.E.T., é um espetáculo revelador.

Sessões: Sextas e sábados, às 21h; domingos, às 20h. Até ???
Club Noir - Rua Augusta, 331; (11) 3257-8129

Comunicação a uma Academia em Curitiba.

2010-04-27T09:28:00.001-07:00

Curitiba é a próxima cidade a receber O PROGRAMA BR DE CULTURA, com o espetáculo COMUNICAÇÃO A UMA ACADEMIA da CIA CLUB NOIR. Dias 14, 15 e 16 de Maio no Auditório Glauco Flores de Sá Brito.

Club Noir com seu site no ar!

2010-04-25T08:16:00.000-07:00

Clique na imagem para visitar o site.

Hamlet e o Édipo

2010-04-19T14:47:00.000-07:00

Do site http://fernandalerato.blogspot.com/2010/04/hamlet-e-o-convite-ao-edipo_15.html

está em cartaz no club noir uma montagem adaptada de hamlet. essa foi a terceira ou quarta peça que vi no noir, e confesso que geralmente as peças lá vistas e dirigidas pela premiada juliana galdino me causam um certo estranhamento, um sensação oscilante de gosto e desgosto... mas o que quero contar nesse momento é sobre a ousadia dessa montagem de hamlet, e mais especificamente das cenas que remetem, aliás, escancaram o édipo. em um dado momento, a plateia é convidada por uma até então curiosa figura (o burro, do inconsciente de hamlet), a pensarem na morte do pai, do próprio pai, dada a argumentação que nenhuma cena ou imagem seria capaz de retratar o que isso pode mobilizar. e dado o convite, na penumbra, durante cerca de um minuto, a plateia se coloca diante da morte do pai em seus pensamentos... ao menos é esse o ousado convite. as cenas são retomadas... e dada a já sabida morte do pai, eis que o filho e a mãe encontram-se diante do desejo. ora, e como não há nada mais angustiante que encontrar o desejo, eis que torna-se inevitável, aos até então esquivos da morte do pai, a sensação da angústia ao deparar-se com a presença total da mãe. já sem o pai, que simbolicamente é quem alimenta a ilusão de intervir o sujeito entrar em contato com o objeto de gozo, com a invasão da "coisa" da mãe, eis que é literalmente gritante a angústia e consequentemente a tentativa de acabar com o objeto causa de angústia, isto é, a falta da falta.
(texto: fernanda pereira)
(foto: hamlet, club noir)
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aos apetecidos, fica a dica, hamlet, club noir, rua augusta, 331, sextas e sábados 21h e domingos 20h, até 23 de maio.
texto de roberto alvim e direção de juliana galdino

Fábrica de Animais comemora o aniversário de Fernanda D'Umdra no Club Noir

2010-04-19T12:41:00.000-07:00

"Caros amigos, na próxima sexta (23/04) comemoro meu aniversário no Club Noir com show da Fábrica de Animais. Nessa sexta nosso convidado é Diego Basanelli e sua guitarra perdida. Apareçam para me dar um abraço, pra ver o show, para tomar uma cerveja com a gente. Ficarei feliz. Um beijo, Fê."

Goiânia recebe o espetáculo Comunicação a uma Academia da premiada Cia. CLUB NOIR de São Paulo

2010-04-12T08:39:00.000-07:00

Projeto idealizado pelo Club Noir com texto de Franz Kafka chega a capital selecionado pelo Programa BR de Cultura 2009/2010

A peça Comunicação a uma Academia, texto de Franz Kafka, direção de Roberto Alvim, com a atriz Juliana Galdino e com o ator José Geraldo Jr., poderá ser conferida em Goiânia nos dias 16, 17 e 18 de abril. A montagem da Companhia Club Noir integra o Programa BR de Cultura 2009/2010 e irá circular por cinco capitais brasileiras: Goiânia, Florianópolis, Porto Alegre, Curitiba e Vitória. Em Goiânia, a apresentação irá ocorrer no Teatro Goiânia Ouro e marca a abertura do 2˚ Festival Nacional de Teatro de Goiânia (18 de Abril), como espetáculo convidado.

A encenação de Comunicação a uma Academia destoa da proposta inicial da Companhia Club Noir, que é a de produzir exclusivamente peças de autores contemporâneos. Isso ocorreu devido ao encontro da companhia com a obra Franz Kafka, as questões nela presentes, urgentes em seu conteúdo e brilhantemente compostas em sua forma. “A síntese altamente dramática, elaborada pelo autor, tornaram o texto incontornável para nós. Sua pertinência e atemporalidade tornam o diálogo com o público de hoje tão potente quanto aquele estabelecido pelas melhores obras produzidas na contemporaneidade”, explica Roberto Alvim. A exceção rendeu a companhia sucesso de público e de críticas. Além de fazer parte do Programa BR de Cultura em 2009 e 2010, Comunicação a uma Academia foi indicada ao Prêmio Shell 2009, na categoria melhor atriz para Juliana Galdino, da Cia. Club Noir, de São Paulo. O espetáculo também conquistou consagração ao participar de projetos como FIAC Bahia, Vitrine Cultural 2009, promovido pelo do Centro Cultural Silvio Santos, foi destaque no Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto-FIT, na Mostra de Teatro de Uberlândia, no Espaço Mosaico em Brasília, no Sesc Santo André e em temporada no Teatro do Club Noir.

PROJETO ADEMAR GUERRA

2010-04-11T12:15:00.000-07:00

H.A.M.L.E.T. foi um dos cinco espetáculos indicados pelo Projeto Ademar Guerra

H.A.M.L.E.T

2010-04-11T12:13:00.000-07:00

Do site http://www.pameladuncan.art.br/?p=350

Versão contemporânea do clássico de William Shakespeare
A montagem é ambientada num quarto de hospital onde Hamlet está internado depois de sofrer uma crise nervosa. Neste cenário (ao mesmo tempo asséptico e convulsionado) se instaura uma atmosfera de delírio. Polônio aparece aqui como um médico psiquiatra; Ofélia como uma frágil enfermeira; Gertrudes como uma viciada em analgésicos; Hamlet como um homem obeso, permanentemente dopado.

Roberto Alvim assina proposta contemporânea da obra de William Shakespeare, H.A.M.L.E.T
Na direção, cenário e figurinos encontramos a talentosa Juliana Galdino,com direção precisa e contida, perfilando o universo sombrio da peça de Shakespeare.

Cenário e figurinos bem conceituados revelam que a companhia Club Noir cuidou bem da estética geral desta montagem.

O grupo de atores mostra empenho e seriedade no trabalho, após meses de pesquisa, mas alguns intérpretes não acompanham a proposta da direção, nem do autor.

Meu destaque é para a atriz Janaína Afhonso que, com conhecimento do ofício e com brilho, mostra força na interpretação e performance.

Vale a pena conferir e ficar atento aos próximos trabalhos da companhia Club Noir.

Pamela Duncan
Jornais associados
Pameladuncan2005@yahoo.es

"H.A.M.L.E.T" é a nova (excelente) montagem do teatro Club Noir

2010-04-11T12:01:00.000-07:00

Do site http://colheradacultural.com.br/content/20100323225340.000.5-N.php

por Luty Vasconcelos - 24 de março de 2010

O burro, um dos personagens do inconsciente de Hamlet, segura o icônico crânio, que na versão original é de Yorick- o bobo da corte, ou seja, o sábio do reino.

Não. Essa não é apenas mais uma montagem de Hamlet. O Teatro Club Noi r apresenta "H.A.M.L.E.T", com direção de Juliana Galdino -- vencedora do Prêmio SHELL 2002 de Melhor Atriz e indicada à mesma categoria em 2009 --, em mais uma das várias parcerias assertivas com o dramaturgo Roberto Alvim, autor do texto inspirado no clássico shakesperiano mais encenado da história.LEIA MAIS: Um palco, um macaco e emoções humanas -Teatro Club Noir monta texto de Kafka

Roberto Alvim “reescreveu" o clássico transportando a trama para os dias de hoje não só em rubricas teatrais, como na essência dos personagens: se Hamlet tivesse nascido na sociedade contemporânea do século 21, ele provavelmente seria mais um indivíduo com problemas familiares, doenças psiquiátricas e dependente de remédios. O texto original, escrito em 1600, marca a ideia de que o homem moderno era capaz de refletir e ter consciência sobre si mesmo e, atualmente, muitos preferem esconder essa capacidade por trás de rótulos, ou diagnósticos das doenças da atualidade, como quem ostenta uma tarja preta. Deitado em uma cama de hospital, o Hamlet gordo e careca encenado pelo ator Renato Forner vive dopado entre questionamentos íntimos e pensamentos até lúcidos, intercalados pela alucinação da droga, que o alivia das duras verdades construídas nos momentos de "lucidez". É praticamente o retrato do inconsciente de um homem atormentado pela realidade caótica que o cerca. "Os personagens originais de Shakespeare aparecem em uma roupagem nova, re-significando, deslocando e ampliando as possibilidades de leitura acerca dos múltiplos sentidos da peça", explica o autor. Tanto é assim que Polônio se torna um médico psiquiatra; Ofélia, uma frágil enfermeira, única mulher com quem Hamlet tem contato além de Gertrudes, uma viciada em analgésicos e nos prazeres da sua alienação. A direção de Juliana Galdino mantém características de estilo da companhia, como o posicionamento dos personagens no palco desenvolvendo os diálogos que parecem criar desenhos geométricos no espaço cênico, além do ritmo cadenciado do texto. Cenografia, figurino e iluminação constroem imagens impecáveis, que nessa montagem tem ares de fotografia contemporânea. A complexidade poética vai desde as soluções estéticas das cenas até o som. Tudo impecável.

Ao final do espetáculo, a vontade que dá é de ficar comentando cenas, referências e sensações causadas em quem a assiste. Para quem gosta de teatro, "H.A.M.L.E.T" é uma excelente opção.

Serviço:H.A.M.L.E.T Teatro Club Noir. Rua Augusta, 331, Consolação.- São Paulo(11) 3255-8448

Sextas e sábados às 21h; domingo às 20h - temporada até 23 de maio

Preço: R$30,00

Atriz vencedora do Shell dirige novo Hamlet

2010-04-11T11:53:00.000-07:00

ClickCultural
A obra mais encenada de Shakespeare, Hamlet, ganha mais uma versão contemporânea e radical - H.A.M.L.E.T estreia dia 13 de março, sábado, às 21 horas, no Club Noir, em São Paulo, e segue temporada até maio.
A peça marca a primeira direção da atriz Juliana Galdino - vencedora do Prêmio Shell 2002 de Melhor Atriz e indicada na mesma categoria ao Prêmio Shell 2009 por Comunicação a uma Academia - em mais um trabalho em parceria com o autor do texto, o dramaturgo Roberto Alvim, fundador, ao seu lado, da companhia Club Noir e cujos trabalhos já foram encenados na França, Suíça e Argentina.
A peça é ambientada num quarto de hospital onde Hamlet está internado depois de sofrer uma crise nervosa. Neste cenário (ao mesmo tempo asséptico e convulsionado) se instaura uma atmosfera de delírio. "Os personagens originais de Shakespeare aparecem em uma roupagem nova, re-significando, deslocando e ampliando as possibilidades de leitura acerca dos múltiplos sentidos da peça", explica o autor.
A diretora explica ter concebido uma encenação enigmática, repleta de poesia, violência e humor negro. "Pretendemos construir um espetáculo de grande sofisticação estética, carregado de perguntas incontornáveis para o público contemporâneo", completa.

http://clickcultural.virgula.uol.com.br/teatro/nota-atriz_vencedora_do_shell_dirige_novo_hamlet-11713.html

ClickCultural entrevista diretora de H.A.M.L.E.T

2010-04-11T11:45:00.000-07:00

Tiago Alcantara, do ClickCultural

É preciso coragem para estrear como diretora montando simplesmente a obra mais encenada de Shakespeare em todo o mundo. Foi exaramente isso que fez a atriz vencedora do Prêmio Shell, Juliana Galdino.

A peça H.A.M.L.E.T estreou em março e faz temporada as sextas e sábados, às 21 horas e aos domingos às 20 horas, no Club Noir, em São Paulo até maio. Confira abaixo a entrevista de nossa equipe com a atriz e diretora:

ClickCultural - Essa é sua estreia como diretora de cara com uma versão de Shakespeare. De onde surgiu a ideia?

Juliana Galdino - Acredito ser fundamental escolher uma obra, um texto onde as questões propostas pelo autor acabam refetindo as suas próprias questões. Não escolho uma obra pensando no que eu posso fazer com ela, mas no que ela pode fazer comigo. Uma obra que desdobre para além das fronteiras conhecidas o ser humano em toda sua potência.

ClickCultural - Você sente uma responsabilidade em função do peso do texto?

Juliana Galdino - A mesma se estivesse montando Nelson ou Plínio, ou Tchecov. Há um longo percurso entre a escolha e a realização da obra. Já assisti montagens em que o autor poderia ser considerado um estúpido. É um verdadeiro massacre! A encenação e a atuação, todas as escolhas estéticas, todos os signos devem ser colocados de maneira a dialogar com o inconsciente da obra, com o inconsciente do autor, e nunca o contrário, para que a platéia também possa deixar sua sensibilidade re-agir plenamente.Tenho um respeito muito grande pela platéia e acho que apresentar a ela um ser humano infantilizado, superficial, banal, ou uma obra maniqueista ou simplista é uma loucura.

ClickCultural - O texto já foi adaptado e é famoso em todo o mundo. Na sua opinião qual é o diferencial dessa releitura?

Juliana Galdino - Meu Hamlet não é viagra, é pau mole mesmo. Não é herói nem vítima, é qualquer um, é ninguém e é uma alteridade. Fisicalizar as metáforas foi o meio, não para reduzir, mas para valorizar as significações contitidas na obra. Anestesiar Hamlet em uma cama de hospital, na tentativa de eliminar sua sensibilidade, tornando-o indiferente e apático, por exemplo, é, ao meu ver, um posicionamento político, crítico, que além de detectar um sintoma contemporâneo, questiona-o e o subverte.

ClickCultural - Hamlet, nesta versão é um homem obeso e que vive dopado. Como se deu este processo de reler os personagens e acrescentar características contemporâneas?

Juliana Galdino - A conquista da sigularidade é a maior de todas as conquistas. Num mundo onde, desde a primeira infância somos bombardeados por uma cultura hegemônica, por padrões de comportamento que só primam pela adequação, pelo adestramento, pela desistência do novo e pela resolução dos mistérios da vida. Francamente, não consigo imaginar outro lugar para descansar a "sólida carne" de um Hamlet do sec. XXI. A roupagem pode até ser atual, mas continua sendo a velha nova roupa do rei...

SERVIÇO

Temporada: Estreia em 13 de março, às 21h. Segue até 23 de maio. Sextas e sábados, às 21h; domingos, às 20h.

Local: Club Noir - Rua Augusta, 331 - Consolação - São Paulo/SP.

Contato: (11) 3255-8448

Preço: R$30 e R$15

Classificação etária: 18 anos

Duração: 70 minutos

H.A.M.L.E.T

2010-03-27T11:30:00.000-07:00

H.A.M.L.E.T.

2010-03-27T10:59:00.001-07:00

Em cartaz no club noir H.A.M.L.E.T.

texto: Roberto Alvim

direção: Juliana Galdino

com a cia. club noir

sextas e sábados 21H

domingos 20H

ingressos: $30 inteira $15 meia

duração: 60 min.

O club noir fica na rua augusta, 331 consolação

tels: 3255-8448 ou 3257-8129

2010-01-21T12:21:00.000-08:00

Comunicação

a uma Academia

indicado ao prêmio SHELL de melhor atriz

CURTA TEMPORADA!

com Juliana Galdino e Gê Viana

direção de Roberto Alvim

re-estréia no Teatro Imprensa

quintas e sextas-feiras de fevereiro e março

21horas

R$20,00 e R$10,00

richard maxwell no brasil em junho

2010-01-12T10:12:00.000-08:00

club noir estreia em maio 3 peças do autor norte- americano RICHARD MAXWELL

house
burger king
the end of reality

E em junho o autor visita o Brasil para assistir as montagens do club noir e aproveita para dar uma palestra. Teremos um ciclo de leituras com as obras de Maxwell.

+ notícias em breve!

HAMLET

2010-01-12T09:44:00.001-08:00

club noirHAMLET

Juliana Galdino e Roberto Alvim adiantam planos para o espaço

2010-01-09T10:24:00.000-08:00

Clique na imagem para ler a matéria sobre o CLUB NOIR em 2010 publicada no GLOBO e no O ESTADO DE SÃO PAULO

PRÊMIO BRAVO!

2009-11-03T11:34:00.000-08:00

O ESPETÁCULO O QUARTO, de HAROLD PINTER DIRIGIDO POR ROBERTO ALVIM
É O VENCEDOR DO PRÊMIO BRAVO! DE MELHOR ESPETÁCULO DO ANO DE 2009

A Terrível Voz de Satã

2009-11-01T10:29:00.000-08:00

SESC Pompeia

14/11 a 13/12. Sábados, 20h, domingos, 19h

Juliana Galdino, reconhecida como uma das principais atrizes de sua geração (Prêmio Shell 2002 por “Medéia”, de Antunes Filho), indicada neste ano pela mesma premiação pelo espetáculo “Comunicação a uma Academia” - direção de Roberto Alvim - estreia nova peça com “A Terrível Voz de Satã”. A partir do tema da religião, com o embate entre Deus e seu principal “opositor”, o Demônio, o texto trafega pela lógica de sonho, sem linearidade ou causalidade aparente. A Terrível Voz de Satã projeta de maneira inusual a vida de Tom Doheny, pobre marinheiro irlandês. Imbecil arquetípico, Tom segue em uma jornada onírica, defrontando-se com personagens fantásticos (como um Pássaro Mágico; o Imperador do Reino Sob As Águas; o estranho Homem-Seco), consumando uma viagem que transita de modo poético por uma série de instâncias da condição humana, revelando de forma metafórica a visão do dramaturgo contemporâneo inglês Gregory Motton, encenado pela primeira vez no Brasil, sobre os meandros da existência.

Duração: 50 minutos Texto: Gregory Motton, Direção e Tradução de Roberto Alvim, Cenografia: Roberto Alvim, Produção Club Noir. Com Juliana Galdino, Leia Nogueira, Rodrigo Pavon e Everson Romito. Galpão

Juliana Galdino é indicada a Prêmio Shell.

2009-07-20T08:02:00.000-07:00

A Shell acaba de divulgar a lista de indicados da 22ª edição do Prêmio Shell de Teatro de São Paulo, referente às peças que estrearam no primeiro semestre do ano.
Juliana Galdino concorre na categoria atriz com o espetáculo COMUNICAÇÃO A UMA ACADEMIA, de Franz Kafka com direção de Roberto Alvim.

Lucianno Maza dá sua impressão sobre COMUNICAÇÃO A UMA ACADEMIA

2009-04-29T07:52:00.000-07:00

http://www.cadernoteatral.com.br/search/label/Comunica%C3%A7%C3%A3o%20A%20Uma%20Academia

Revista Bravo! entrevista Pedro, o Vermelho.

2009-04-16T07:43:00.000-07:00

Entrevista de Armando Antenore, editor-sênior da revista BRAVO!, com Pedro, o Vermelho, um macaco que se transformou em homem. Interpretado pela atriz Juliana Galdino, Pedro é o protagonista da peça "Comunicação a uma Academia", baseada em texto de Franz Kafka. A entrevista integra a seção "Máscara", publicada mensalmente por BRAVO!.

Club Noir estréia COMUNICAÇÃO A UMA ACADEMIA

2009-03-04T10:32:00.000-08:00

COMUNICAÇÃO A UMA ACADEMIA, de Franz Kafka

direção de Roberto Alvim

com Juliana Galdino e Gê Viana

Em "Comunicação a uma Academia", um macaco, interpretado por Juliana Galdino, relata à platéia como se tornou humano. Vigiada por um guarda armado (Gê Viana), a criatura fala sobre o processo de transformação por meio do qual aprendeu a se comportar como um homem. O macaco relata sua história aos excelentíssimos senhores membros da Academia. Enfatiza que lutou para aprender a se comportar como um de nós: aprendeu a apertar mãos, a fumar cachimbo (costume que caracteriza civilização), a beber aguardente, a falar (conquista suprema) e, por fim, a pensar como um de nós.

Terças e quartas às 21 horas.

Teatro Imprensa Rua Jaceguai, 400.

Tel.(11) 3241-4203.

Ingressos: De 4 a 31 de março – 1 lata de leite em pó, que deve ser trocada por 1 ingresso na bilheteria do Teatro.

OFICINAS CLUB NOIR 2009

2009-01-15T07:51:00.000-08:00

Clique sobre a imagem para ampliá-la.

Sobre o Club Noir

2009-01-15T07:35:00.000-08:00

Fundado por Juliana Galdino e Roberto Alvim, o Club Noir além de ser a sede da Cia. Club Noir, é também, hoje um teatro de 50 lugares, e abriga um café-bar com shows de quinta a domingo, uma livraria especializada em HQs, e tem uma área de exposições permanente.

O CLUB NOIR inaugura sede

2009-01-15T07:20:00.000-08:00

O CLUB NOIR inaugura sede

com o espetáculo

O QUARTO, de Harold Pinter

Direção de Roberto Alvim

Com Juliana Galdino, Rodrigo Pavon, Lígia Yamaguti e Gê Viana no elenco.

Sextas e Sábados 21h e Domingos 20h

Ingressos: 10 reais (inteira)

CLUB NOIR - Rua Augusta, 331 Consolação

TEATRO com 50 lugares, café-bar e livraria - convênio com estacionamento

Cub Noir estréia Homem sem Rumo

2008-10-01T09:04:00.000-07:00

Anátema: espetáculo marca a fundação da cia. Club Noir

2006-12-15T08:59:00.000-08:00

A peça, com texto e direção de Roberto Alvim e encenado pela atriz Juliana Galdino, é a obra que marca a estréia da companhia Club Noir, dedicada à criação de obras originais que dialoguem provocativamente com a contemporaneidade.
Anátema é a história de uma serial killer contada em primeira pessoa. Sua descoberta do assassinato, sua motivação, a relação com suas vítimas. A proposta da encenação é uma reflexão radical sobre o significado da vida – e da morte – nos dias atuais.
Entre os trabalhos realizados por Juliana, nos sete anos em que no Centro de Pesquisas Teatrais, CPT, estão Fragmentos troianos (2000), Medeia (2001-02) e O canto de Gregório (2004).
Vencedora do Prêmio Shell 2002 por seu desempenho em Medeia, Juliana continua o já consagrado trabalho que havia iniciado com Antunes: o ator como ponto central da cena, trabalhando exaustivamente seu personagem.
No monólogo, conduzido por uma relação direta e perturbadora com a platéia, o cenário resume-se a uma sala vazia e uma cadeira (num nicho que remete à obra do pintor Francis Bacon). Uma mulher fala à platéia. Seu tema: o assassinato como um ato de amor. Fala sobre sua busca – a busca por compreender o que significa estar realmente vivo – e o caminho que a levou a matar sete pessoas, exibindo as fotos de suas vítimas.
O texto questiona: seriam os serial killers os heróis da cultura de nosso tempo? Da década de 60 até hoje, os filmes, livros e programas sobre assassinato em série se multiplicaram, e o protagonista anti-herói se tornou uma espécie de retrato da violência contemporânea. Às vezes aparecendo como criaturas estúpidas, atormentadas pelos próprios fantasmas, outras vezes como gastrônomos refinados ou brilhantes manipuladores, mas todos retratos do cotidiano contemporâneo.

Texto de Roberto Alvim

Direção de Roberto Alvim

Com Juliana Galdino